Sanremo 2025: le origini del mito vincono a Sanremo

La 75ª edizione del Festival di Sanremo si è conclusa e ha visto trionfare Olly, con la sua Balorda Nostalgia, seguito da Lucio Corsi, con Volevo essere un duro, e Brunori Sas, con L’albero delle noci.

Questi moderni cantori sembrano incarnare, in chiave moderna, archetipi senza tempo: Olly, come un novello Orfeo, canta la tragedia dell’amore perduto e della dipendenza affettiva; Lucio Corsi, simile a un Ercole contemporaneo, affronta le sfide dell’identità e della fragilità; mentre Brunori Sas, come un saggio Dedalo, esplora le paure e dubbi di un padre di fronte le sfide della vita.

Olly/Orfeo – La “balorda nostalgia” della perdita

Dopo la perdita di Euridice, Orfeo si trova intrappolato in un dolore che non riesce a superare. Incapace di immaginare un futuro senza di lei, il musicista mitologico vede la propria esistenza svuotarsi di senso. Il suo amore si trasforma in un’ossessione che lo spinge oltre ogni limite, trascinandolo in una spirale di disperazione. Quella che avrebbe potuto essere una storia di rinascita si tramuta così in una tragedia senza ritorno.

Scende negli Inferi armato solo della sua musica struggente, capace di commuovere dèi e ombre. Il suo viaggio è un atto di speranza e disperazione, mosso dall’illusione di poter riabbracciare l’amata.

Allo stesso modo, il protagonista della canzone di Olly è avvolto da una nostalgia profonda, come se il ritorno a un passato idealizzato potesse colmare il vuoto lasciato dalla perdita, come se la sua identità fosse inscindibilmente legata a un’altra persona.

Tornare a quando ci bastava ridere, piangere, fare l’amore.

Come Orfeo, anche Olly canta per colmare il vuoto lasciato dall’assenza. L’intero testo è un tentativo di evocare la persona amata, proprio come Orfeo prova a riportare Euridice tra i vivi. Ma c’è un tragico dubbio che incombe:

Magari non sarà nemmeno questa sera la sera giusta per tornare insieme.

Questo verso riecheggia il destino di Orfeo, il cui amore è condizionato da un vincolo insormontabile. La scena in cui il protagonista della canzone continua a cercare tracce dell’amata:

Ti cerco ancora in casa quando mi prude la schiena, e metto ancora un piatto in più quando apparecchio a cena.

Qui non c’è un inferno mitologico, ma una casa che risuona di assenze e abitudini spezzate.

 

 

E infine, la rassegnazione:

Magari è già finita, però ti voglio bene ed è stata tutta vita.

Se Orfeo, devastato dal dolore, rinuncia alla vita e si lascia morire cantando, Olly accetta, seppur con sofferenza, che l’amore possa sopravvivere alla fine di una relazione.

Il parallelismo con Orfeo mette in luce il rischio di smarrire se stessi all’interno di una relazione, quando l’altro diventa l’unico riferimento per la propria esistenza.

La canzone esplora con intensità una sorta di dipendenza affettiva, delineando un desiderio insaziabile e mai del tutto soddisfatto. La ripetizione insistente di “vorrei” diventa il simbolo di un bisogno incessante, mentre l’altro viene idealizzato come unica fonte di appagamento. Ne emerge un’illusione pericolosa: quella di un amore vissuto come unico significato dell’esistenza, in un equilibrio fragile tra passione e smarrimento.

Lucio Corsi/Ercole – L’arte di essere invincibili

Nel brano sanremese, Lucio Corsi mette in scena un profondo conflitto interiore, dando voce a una tensione universale: il desiderio di incarnare un modello di forza imposto dalla società e la consapevolezza della propria vulnerabilità. Il protagonista della canzone aspira a essere un “duro”, un individuo invulnerabile e sicuro di sé, sulla scia degli eroi mitologici e degli stereotipi maschili dominanti. Tuttavia, nel corso del brano, il sogno si scontra con la realtà. Alla fine, il personaggio si arrende all’evidenza: l’immagine idealizzata di sé è irraggiungibile. Con un’ammissione sincera, riconosce la propria autenticità, accettando la fragilità come parte integrante della sua identità:

Non sono altro che Lucio.

Il conflitto tra forza e fragilità trova un interessante riflesso nella figura di Ercole, l’eroe della mitologia greca celebre per la sua forza sovrumana e le leggendarie dodici fatiche. Al di là dell’immagine di invincibilità che lo circonda, la sua storia è segnata da sofferenza, senso di colpa e profonde vulnerabilità, rivelando così il lato più umano di un simbolo di potenza assoluta. Nonostante la sua potenza fisica, Ercole è un eroe tormentato, costretto a espiare le proprie colpe e a confrontarsi con il peso del suo destino.

Nonostante il desiderio di apparire forte, il protagonista della canzone ammette:

Però non sono nessuno / Non sono nato con la faccia da duro / Ho anche paura del buio.

Questa confessione mette in luce la discrepanza tra l’immagine desiderata e la realtà personale. Tuttavia, si rende conto che questi modelli non gli appartengono.

Nel momento in cui smette di inseguire un ideale di mascolinità imposto e accetta la propria identità con tutte le sue sfumature, al di là delle aspettative esterne, emerge qui la sua vera forza, evidenziando come essa risiede nell’abbracciare la propria autenticità.

 

           

Brunori Sas/Dedalo – La responsabilità di essere padre

La canzone di Brunori Sas, L’albero delle noci, affronta temi come la paternità, il passare del tempo e le paure legate alla genitorialità. Questi elementi trovano un interessante parallelo nel mito di Dedalo e Icaro, che esplora il rapporto padre-figlio, l’aspirazione e le conseguenze delle proprie scelte.

Nel mito, Dedalo è un abile inventore e artigiano che costruisce ali di cera e piume per sé e per suo figlio Icaro, con l’obiettivo di fuggire dal labirinto in cui sono imprigionati. Questo atto rappresenta il desiderio di un padre di proteggere e guidare il proprio figlio, fornendogli gli strumenti per affrontare il mondo.

Allo stesso modo, Brunori riflette sulla sua esperienza della paternità, esprimendo sia l’amore profondo, che le preoccupazioni legate al crescere un figlio:

Sono passati veloci questi anni feroci / E nel mio cuore di padre il desiderio adesso è chiuso a chiave.

Dedalo avverte Icaro di non volare troppo vicino al sole per evitare che il calore sciolga la cera delle ali, ma Icaro, preso dall’entusiasmo del volo, ignora il consiglio paterno e cade nel mare.

Questo episodio simboleggia le preoccupazioni di un genitore riguardo alle scelte e ai rischi che il proprio figlio potrebbe affrontare. Brunori Sas esprime un sentimento simile quando canta:

Vorrei cantarti l’amore, amore / Il buio che arriva nel giorno che muore / Senza cadere / Nella paura di farti male

Qui, il cantautore desidera proteggere la figlia dalle oscurità della vita, ma riconosce anche la necessità di permettergli di fare le proprie esperienze, senza lasciarsi paralizzare dalla paura.

 

 

Il mito di Dedalo e Icaro evidenzia come le esperienze condivise tra padre e figlio possano portare a una profonda trasformazione personale.

Dopo la perdita di Icaro, Dedalo è costretto a confrontarsi con il dolore e le conseguenze delle proprie azioni. Analogamente, Brunori Sas riflette su come la paternità abbia cambiato la sua percezione della vita e del mondo:

E tutta questa felicità forse la posso sostenere / Perché hai cambiato l’architettura e le proporzioni del mio cuore.

 

Gaetano Aspa

 

Fonte: Post Facebook di Nicole Teghini in data 16/02/2025

 

Da Babilonia a Baghdad: sulle tracce di Hammurabi

Manca, ormai, poco più di un mese al termine dell’affascinante mostra tenuta presso il Museo dei Saperi e delle Mirabilia Siciliane di Catania. Curata dall’archeologo Nicola Laneri e dalla direttrice del museo Germana Barone, entrambi docenti dell’Università di Catania, l’esposizione offre ai visitatori un esaustivo scorcio della storia di Hammurabi, sovrano babilonese di origine amorrea che, nel XVIII secolo a.C., riuscì, tra guerre ed alleanze, a riunificare la Mesopotamia sotto il dominio babilonese e ad assumere il titolo di “Re delle quattro parti del mondo”, la più alta titolatura del mondo vicino-orientale antico.

Un viaggio alla scoperta di una delle personalità più brillanti della storia antica, il cui lascito, tutt’oggi, costituisce le fondamenta del nostro mondo.

Celebre per la sua raccolta di leggi, il famoso Codice di Hammurabi, egli diventa migliaia di anni dopo il protagonista di una mostra che propone reperti forniti da altre realtà culturali quali il British Museum di Londra, il Louvre di Parigi, il Pergamonmuseum di Berlino e il Museo reale di Torino.

 

La stele di diorite, alta 2,25 m, su cui è inciso il Codice di Hammurabi
Fonte: https://www.worldhistory.org/image/14341/code-of-hammurabi/

Con il sostegno di questi celebri musei, viene proposta ai visitatori una riproduzione accurata della stele, oltre ad una serie di reperti archeologici della prima dinastia babilonese ritrovati negli scavi del 1850 a Tell Muhammed e riproduzioni fotografiche delle varie campagne di scavo condotte nel sito iracheno.

L’esposizione, totalmente gratuita, sarà fruibile fino all’11 febbraio dal lunedì al giovedì alle ore 09:00-13:30, 14:30-17:30; venerdì ore 09:00-13:30.

L’iniziativa, di respiro internazionale, volta a finalizzare le ricerche archeologiche, che dal 2022 sono condotte da un gruppo di ricercatori universitari catanesi, il Baghdad Urban Archaeological Project, rappresenta certamente un percorso di formazione e arricchimento culturale imperdibile che dipana le ombre di un mondo, alla fine, non tanto lontano dal nostro.

 

Sulle orme del re

Nel pensar comune, un sovrano che si rispetti deve essere un dominatore di popoli, un temerario condottiero che sottomette con la forza regni vicini e lontani. Chi non conosce Hammurabi cade nella tentazione di ritenerlo, in quanto sovrano ricordato dalla tradizione (perciò importante), un militarista.

Le campagne militari di Hammurabi effettivamente riuscirono ad unificare un territorio discretamente ampio, rendendo città un tempo fiorenti capitali, come Eshnunna o Uruk, semplici capoluoghi provinciali. E se, da un lato, la conquista babilonese del Paese di Sumer, la zona meridionale della Mesopotamia, costituisce un interessante esempio di intraprendenza militare e abilità burocratiche, dall’altro, però, non costituisce un forte vincolo per la figura storica di Hammurabi. Le sue campagne militari si svolsero negli ultimi anni del suo regno, e non ne costituiscono la centralità.

L’azione del sovrano amorreo (amorrea è l’etnia della stirpe di Hammurabi, re di Babilonia) si condensò, oltre a iniziative sociali di cui la famosa stele ne è l’esempio più tangibile, anche in altre due diverse direzioni: potenziamento delle capacità produttive del regno e unificazione del patrimonio religioso locale.

La crisi agricola che colpì la Bassa Mesopotamia nel XIX secolo a.C. obbligò i sovrani a interessarsi personalmente al miglioramento dei sistemi di produzione. Hammurabi si impegnò a far defluire il flusso delle acque diretto verso sud, con una serie di ristrutturazioni dei canali, in modo da contrastare l’eccessiva salinizzazione del suolo che ne limitava la capacità produttiva.  Questi miglioramenti, insieme ad una colonizzazione diffusa (il re assegnava personalmente le terre ai veterani al termine delle campagne belliche), riuscirono a contenere le difficoltà economiche del regno.

Un particolare contributo, forse il più interessante, diede il sovrano babilonese all’introduzione, nel panorama religioso locale, del culto di Marduk, dio della città di Babilonia. La sua è una vera ristrutturazione del pantheon mesopotamico, per cui diverse divinità vengono equiparate, altre messe in secondo piano, tutte quante sotto la luce del dio Marduk.

Cos’altro vi è più potente della politica e del denaro per unire gli uomini, se non la religione? Collocare un dio locale a capo degli dèi mesopotamici, imponendone la devozione, è un processo complesso e rischioso che otterrà piena maturazione solo con il sovrano Nabucodonosor I, diversi secoli dopo.

Hammurabi di Babilonia fu uno dei più importanti regnanti della storia antica, una personalità a cui molti sovrani posteri si ispirarono per governare i loro regni. Il suo lignaggio, difficilmente emulato dai posteri, resta tutt’oggi oggetto di dibattito tra gli studiosi.

 

Bibliografia:
Mario Liverani, Antico Oriente: storia, società, economia. Laterza, 2009.
Federico Giusfredi, Il Vicino Oriente antico: breve storia dalle origini alla caduta di Babilonia. Carrocci, 2020.

 

Babbo Natale: tra tradizione e modernità, il volto universale del Natale

La figura di Babbo Natale, ormai indelebilmente legata all’immaginario collettivo natalizio, è il risultato di una sedimentazione culturale che abbraccia secoli di evoluzioni mitologiche, tradizioni religiose e trasformazioni iconografiche. Egli si configura come una costruzione simbolica piuttosto complessa: non solo travalica i confini temporali e geografici, ma si erge, al contempo, quale riflesso di un immaginario collettivo in costante rielaborazione.

 

Tra cristianesimo e mitologia

L’archetipo di Babbo Natale affonda le sue radici nella figura di San Nicola di Myra, un vescovo vissuto nel IV secolo, noto per la sua carità verso i poveri e i bambini. La sua figura, celebrata soprattutto nell’Europa medievale, veniva associata a storie di miracoli e atti di munificenza.

San Nicola, patrono dei piccoli e dei viandanti, divenne oggetto di un culto che si diffuse rapidamente, intrecciandosi con le celebrazioni invernali preesistenti. Tuttavia, il profilo del futuro Babbo Natale si arricchì di un substrato mitologico che trascendeva il contesto cristiano.

San Nicola
St. Nicholas, Moretto da Brescia (1539) – Fonte: ncregister.com

Il contributo delle tradizioni pagane del Nord Europa fu determinante nella definizione di tratti distintivi della sua immagine che, sebbene originariamente cristiana, cominciava ad assumere una natura sincretica.

La figura di Odino, il supremo deus dell’epico pantheon norreno, si sovrappose a quella di San Nicola, dando origine a una configurazione mitologica che si articolava tra sacralità e ritualità profana. Odino, infatti, durante la festività solstiziale della Jól veniva rappresentato mentre cavalcava il suo cavallo a otto zampe, Sleipnir, portando doni e prosperità.

Tale sincretismo religioso contribuì a plasmare la figura di un uomo al contempo divino e umano, che portava con sé l’essenza stessa della speranza e della rinnovata luce del solstizio.

La trasformazione moderna

La trasmigrazione del culto di San Nicola verso il continente americano mediante l’intermediazione delle comunità olandesi, che importarono la tradizione del Sinterklaas.

In territorio statunitense, questa rappresentazione subì un processo di rielaborazione creativa, dando vita al Santa Claus, una versione semplificata e sincretica del santo europeo.

Fu però nel XIX secolo che iniziò a delinearsi con maggiore precisione.

Un punto di svolta fu rappresentato dal poema A Visit from St. Nicholas (1823), attribuito a Clement Clarke Moore. L’opera codificò alcuni tratti distintivi del personaggio: un uomo bonario, dotato di una slitta trainata da renne, impegnato a distribuire doni nella notte di Natale.

Il componimento non solo consolidò l’immagine di Santa Claus nell’immaginario popolare, ma pose le basi per una narrazione simbolica che avrebbe influenzato la cultura popolare per decenni.

Santa Claus
Santa Claus – Fonte: flickr.com

Nel contempo, l’evoluzione artistica della figura subì una trasformazione straordinaria. L’opera di illustratori come Thomas Nast giocò un ruolo decisivo nella definizione dei tratti visivi del personaggio. Fu Nast, infatti, a introdurre il celebre abito rosso, sebbene in una forma ancora suscettibile di variazioni. 

L’impatto di Coca-Cola

Tuttavia, fu con l’intervento della Coca-Cola, negli anni Trenta del Novecento, che Babbo Natale acquisì una configurazione iconografica definitiva e universalmente riconosciuta.

In un’epoca di crescente globalizzazione e diffusione della cultura di massa, l’azienda americana incaricò l’artista Haddon Sundblom di reinterpretare la figura di Santa Claus per la sua campagna pubblicitaria.

Sundblom, pur attingendo dall’immaginario evocato dal poema di Moore, cristallizzò l’immagine di Babbo Natale in una rappresentazione calorosa e rassicurante. Il personaggio assunse così le sembianze di un uomo robusto e gioviale, dai lineamenti paffuti, con guance rosse, barba folta e un abito rosso bordato di pelliccia bianca.

Santa Claus
Santa Give & Take, Coca-Cola (1937) – Fonte: flickr.com

Questa rappresentazione, oltre a incarnare i valori di generosità e affabilità, si inseriva perfettamente nella strategia di branding della Coca-Cola.

Sebbene l’associazione cromatica con il rosso fosse già associata a Babbo Natale nelle tradizioni precedenti, l’uso massiccio e la diffusione delle immagini di Sundblom contribuirono a universalizzare questa cromia, legandola in modo indissolubile all’identità visiva del marchio e al personaggio di Santa Claus.

 

 

Fonti:
www.geopop.it
www.coca-cola.com

Il solstizio d’inverno – Origini e Tradizioni

Il solstizio d’inverno, che quest’anno è caduto il 21 dicembre alle ore 10:21, è un evento astronomico che segna il momento in cui il Sole raggiunge la sua posizione più bassa nel cielo rispetto all’orizzonte, ed è quindi il giorno più corto dell’anno.

Nel corso dei secoli, questo evento è stato celebrato da numerose civiltà, rappresentando la “rinascita” del dio Sole e la vittoria della luce sulle tenebre.

Tradizioni antiche

Il solstizio d’inverno ha ispirato molte tradizioni antiche in diverse culture.

Yule

Yule è una delle festività nordiche più antiche legate al solstizio d’inverno. Viene celebrata dal 21 dicembre al 6 gennaio, e segna il ritorno della luce e la nascita del nuovo Sole, simboleggiando così speranza, rinnovamento e l’arrivo della primavera.

Fra le tradizioni più conosciute, troviamo quella del “ceppo di Yule”, un grande tronco di legno che veniva bruciato durante la notte del solstizio, in segno di accoglienza della luce e della prosperità. Le sue ceneri venivano anche utilizzate per proteggere la casa.

Nel tempo, la tradizione si è trasformata nel “tronchetto di Natale“, dolce tipico natalizio.

Anche l’albero di Yule, decorato con luci, è alla base dell’albero di Natale odierno.

Heliopolis

La festività Heliopolis era una celebrazione religiosa che si svolgeva a Eliopoli, antica città Egizia, importante centro di culto del dio sole Ra.

Questa festività celebrava la rinascita del Sole, un evento fondamentale nella religione egizia.

Difatti, si credeva che Ra, il dio del Sole, morisse ogni notte e rinascesse ogni mattina. Durante il solstizio, la sua “rinascita” era particolarmente significativa, perché il Sole cominciava a crescere di intensità e la luce iniziava a prevalere sulle tenebre.

Questa festività celebrava, quindi, il ciclo di morte e rinascita, con riti e cerimonie che simboleggiavano la vittoria della luce e della vita sulle tenebre e sulla morte. Inoltre, i riti erano legati al concetto di rinnovamento e fertilità, dunque producevano un forte impatto sulla vita agricola e sociale dell’Egitto.

Il culto del Sole di Ra ebbe un’influenza duratura sulle religioni Egizie.

Heliopolis
Helipolis, Solstizio d’inverno. Fonte: toriaefantasydotcom1.wordpress.com/2016/08/05/antico-egitto-il-culto-del-sole/

Yalda

Il solstizio d’inverno in Persia antica, viene conosciuto come Yalda e si collega alla figura di Mitra, divinità solare.

Le tradizioni di Yalda includono riunioni familiari, durante le quali si mangiano cibi simboli di abbondanza, fertilità e prosperità.

Yalda è anche un momento di preghiera e celebrazione del rinnovamento del mondo e della speranza per il futuro.

Saturnali

I Saturnali erano una delle festività più importanti dell’antica Roma, dedicate al dio Saturno, il dio dell’agricoltura, della prosperità e del raccolto. Originariamente, i Saturnali venivano celebrati dal 17 al 23 dicembre, ma successivamente la durata delle festività fu estesa. La festa segnalava il ritorno della luce solare e il rinvigorirsi della natura, in un periodo di fine anno che anticipava la stagione del raccolto primaverile.

Durante i Saturnali, l’ordine sociale veniva temporaneamente capovolto. I ruoli tra padroni e schiavi venivano invertiti: gli schiavi potevano sedere a tavola con i loro padroni, ricevere cibi e regali, prendere parte ai festeggiamenti e ai banchetti.

Le celebrazioni erano caratterizzate da banchetti sfarzosi, giochi pubblici, doni e scambi di auguri, che si concentravano sull’allegria, l’abbondanza e la convivialità. Le case venivano decorate con luci e ghirlande.

Un altro aspetto interessante dei Saturnali era il “rex saturnalis”, il “re di Saturno”, una figura che veniva scelta tra gli schiavi o tra i membri più giovani della società e che governava per un breve periodo con autorità simbolica, guidando i festeggiamenti.

I Saturnali avevano una forte componente religiosa. Erano un’occasione per rendere omaggio a Saturno, con sacrifici nei templi e cerimonie in suo onore.

Influenze odierne

Le tradizioni antiche continuano ad influenzare la celebrazione del Natale. Lo scambio di doni, l’idea di rinnovamento e speranza, le cene festive, le decorazioni luminose sono stati e sono tutt’ora elementi fondamentali di questa festività, che affondano le loro radici in riti pagani legati al solstizio d’inverno.

 

Fonti:

https://www.ilgiardinodeilibri.it/speciali/yule-il-magico-solstizio-d-inverno-celtico.php?srsltid=AfmBOopA7FX1lsjF1nbM-DBXOmW_YZNjmr5c6ush59582Vm2DHmiBojE

“Le tradizioni del solstizio d’inverno” di Lucia Bottini

 

Il patriarcato nel codice penale: gli articoli del codice dimenticati

Nei drammi che caratterizzano l’esperienza umana sembra inscindibile la presenza di due ruoli dominanti che ne caratterizzano la trama, sia dei popoli che dei singoli individui. Trascorrono i millenni, ma è sempre chiara la persistente presenza di un oppresso e un oppressore. Un parallelo in simbiosi al dualismo archetipo tra bene e male.

Nella stessa umanità nel suo intero vi è una metà che da sempre è oppressa. Fisicamente, psicologicamente e moralmente. Quella metà sono le donne, da sempre prigioniere delle catene del patriarcato.

La realtà si fonda sui fatti non sulle opinioni

Negli ultimi anni, l’opinione pubblica si è spaccata sempre di più nella quasi patologica tradizione italiana che raffigura il suo popolo diviso, nella secolare lotta tra guelfi e ghibellini.

Il dibattito pubblico sul patriarcato ha affrontato e affronta una guerra d’informazione, di numeri, statistiche, testimonianze e opinioni. Con una sola costante, la realtà in cui viviamo è agghiacciante. I casi di Giulia Tramontano, Giulia Cecchettin, dello stupro di gruppo di una giovane ragazza a Palermo o lo stupro di due bambine a Caivano, vittime del branco, sono stati tra i casi più dibattuti che, tra il 2023 e il 2024, hanno infiammato l’arena mediatica della ”civilissima” Italia.

Oggi, chi nega il patriarcato vanta una tradizione cristiana e ancor di più l’ascendenza romana, che si esaltano come qualcosa di ”nobile”, di estremamente superiore alle altre culture.

Come fosse la civiltà cristiana, derivata a sua volta da quella romana, una civiltà estranea alle pratiche patriarcali con le quali oggi si accusano di ”inferiorità culturale e morale” i popoli non occidentali.

Gli stessi dimenticano che, tra i miti fondativi di Roma, vi sia proprio ” il ratto delle sabine”. 

 

La negazione della tradizione patriarcale e dei suoi valori.

Le figlie, le sorelle e le madri d’Italia chiedono aiuto. Pretendono la fine del patriarcato e di ogni sua conseguenza diretta o indiretta. Esauste dal subire violenza che si perpetua nel tempo, sia sul piano concreto che su quello morale e culturale.

Passano i decenni, il patriarcato cambia pelle, muta, si trasforma, ma, nella sua essenza, rimane saldamente presente nell’identità e nei caratteri comportamentali e sociali degli uomini Italiani.

Come una lotteria della sventura, il ”patriarcato ombra” premia con la morte chi ne è vittima.

Le varie associazioni e collettivi per la difesa e i diritti delle donne parlano di una cultura dello stupro radicata non solo nella società italiana, ma in tutte le società del mondo.

Possiamo affermare senza errori che non esiste una società nel mondo dove non vi sia una supremazia del sesso maschile su quello femminile.

Il patriarcato nelle sue infinite sfaccettature e sfumature resta persistente, palese o nascosto che sia alla nostra percezione. Eppure, nonostante le cronache della nostra quotidianità siano infestate da questi crimini di genere quasi con cadenza giornaliera, una parte della nostra società lo nega.

Suscitano angoscia gli indizi di malafede insiti nelle parole di negazione per l’evidenza manifesta dei fatti. La negazione del patriarcato come carattere distintivo della nostra società, ipocritamente mascherato in tutti i modi, cerca di rivolgere l’attenzione verso un capro espiatorio all’esterno della comunità maschile nazionale.

vignetta xenofoba come manifesto elettorale della Lega Nord
Progaganda xenofoba della Lega

Un cortocircuito logico: si accusa di visione ideologica, propagandando l’ideologia xenofoba

Si nega la violenza di genere, manifesta come malattia endemica nella nostra progredita civiltà occidentale. Si taccia di dogmatismo ideologico chi espone la classificazione dei femminicidi come conseguenza della cultura patriarcale. Tentano di confutare la realtà, che rimane forte dell’empiricità dei fatti, esponendo come contro tesi teorie xenofobe e islamofobe. Teorie che non si basano sui fatti, ma su una propaganda di partito chiaramente frutto di un’impostazione prettamente ideologica.

Così è accaduto che, nel giorno dell’inaugurazione dell’associazione ”Giulia Cecchettin”, a un anno dalla sua morte, durante la cerimonia tenutasi in sede istituzionale, si è assistito all’intervento surreale del Ministro dell’Istruzione. Un intervento che avrebbe dovuto mandare un messaggio agli studenti e alle studentesse, per sensibilizzare e far riflettere sulla piaga che affligge le nostre strade e le nostre case. Una presa di posizione dogmatica, trasformatasi in una negazione del problema nazionale, minimizzandolo e deviando la colpa di tali crimini sulle minoranze.

 Ancora una volta, si sono strumentalizzate le vittime per fini ideologici. 

Il ministro ha rivestito il ruolo di portavoce di una certa narrazione. Ha esposto le sue convinzioni ideologiche, tacciando allo stesso tempo di visione ideologica un fenomeno che è sotto gli occhi di tutti.

Sembra quasi irrilevante che i quattro casi tra violenze sessuali e femminicidi sopracitati siano stati commessi tutti da giovani maschi bianchi italiani.

Errori e orrori storici

In questo controverso audio-messaggio per l’inaugurazione dell’associazione ”Giulia Cecchetin”, si è chiusa la questione del patriarcato derubricandolo come un fenomeno anacronistico e non più esistente nella società e nell’ordinamento italiano.

Si è affermato che le torsioni patriarcali siano terminate con le modifiche del diritto di famiglia, nel 1975 .

È stata citata la Costituzione, rivolgendosi alle minoranze e ammonendole, e si è sottolineato che la nostra carta costituzionale non ammette disparità tra i sessi.

Eppure le disparità vigenti sono evidenti. Come ”il gap salariale”, giusto per citarne una platealmente evidente. Tuttavia, affermare che il patriarcato sia finito nel 1975 è un grave errore storico per un Ministro dell’Istruzione. 

Nel codice penale italiano, risalente al 1930 e frutto del regime fascista, tutt’ora vigente anche se con numerose modifiche, sono sopravvissute norme  che chiamarle patriarcali è riduttivo.

Sarebbe più corretto definirle norme barbariche, interpretate in processi degni dei tribunali della Santa Inquisizione.

Nel dibattito pubblico è assente il ricordo del “delitto d’onore” e del “matrimonio riparatore” oltre ad altre disparità di genere previste dal codice penale e civile rimaste in vigore ben oltre il 1975.

 

Il reato di stupro è stato un reato contro la morale e non contro la persona fino al 1996

Sembra quasi che venga omesso, per favorire la narrazione del patriarcato ormai abolito. Colti da amnesia collettiva, o forse da una malafede selettiva, si omette che lo stupro non è stato considerato reato contro la persona, ma solo contro la morale fino al 1996.

Sebbene nel sistema dell’Istruzione italiano, l’insegnamento della disciplina storica venga ridotto di legislatura in legislatura, è bene fare un piccolo focus su cosa è stata la società italiana per le donne fino al 1981

Comprendere le dinamiche storiche, sociali e culturali dell’Italia resta fondamentale per comprendere perché dopo quarantaquattro anni riemergano correnti di pensiero che negano la persistenza del problema.  

Vi sono forze politiche, oggi ”rivalutate” grazie al revisionismo storico, che strumentalizzano la questione femminile e issano bandiere morali, al fine di condurre battaglie ideologiche, dove si inneggia alla difesa della donna, per legittimare politiche razziste.

Non si può dimenticare che la conquista del diritto al divorzio e la norma che lo regolava fu votata dal parlamento nel 1970 e ha visto il voto a favore di tutti i partiti politici ad eccezione del partito democristiano (ormai sciolto) e del movimento sociale italiano, chiamato oggi Fratelli d’Italia e dal 2022 partito alla guida del governo.

 

manifesto per il referendum per abrogare la legge sul divorzio
Manifesto del movimento sociale italiano sul referendum del 1974 per abrogare il diritto al divorzio

 

Cosa è stato il delitto d’onore ?  

Codice Penale, art. 587
Chiunque cagiona la morte del coniuge, della figlia o della sorella, nell’atto in cui ne scopre la illegittima relazione carnale e nello stato d’ira determinato dall’offesa recata all’Onore suo o della famiglia, è punito con la reclusione da tre a sette anni. Alla stessa pena soggiace chi, nelle dette circostanze, cagiona la morte della persona che sia in illegittima relazione carnale col coniuge, con la figlia o con la sorella.  

 

Fino al 1981, lo Stato italiano prevedeva nel suo codice penale delle attenuanti per i femminicidi commessi da fratelli, da padri o mariti, nel caso in cui avessero visto l’onore della propria famiglia compromesso. Nello specifico, si trattava di un onore leso ”scoprendo” la propria figlia o sorella o moglie intente a consumare rapporti carnali illegittimi. Onore che sarebbe stato ripristinato con la morte della disonorata.

In Italia, il delitto d’onore prevedeva una pena di appena tre anni, con un massimo di sette anni.

A compromettere l’onore della famiglia erano solo le figlie

Iconica è la particolarità del delitto d’onore commesso dal padre nei confronti della figlia. Il delitto d’onore era classificato tale solo se a essere sorpresa a far sesso fuori dal matrimonio fosse la figlia. Il delitto d’onore non era tale, infatti, se a essere sorpreso in atti extraconiugali fosse stato il figlio.

A disonorare la famiglia con il sesso extraconiugale, per la legge, erano solo le donne.

Queste norme pongono una pietra tombale su ogni dubbio inerente all’intensità dell’oppressione maschile sulle donne. 

 

Il divorzio all’italiana

Paradossale ed estremamente tragica quanto reale fu l’impossibilità, fino al 1970, nell’ordinamento giuridico italiano, di divorziare. Tanto che, alle volte, alcuni uomini uccidevano la ”propria” moglie, rassicurati dalle le pene ridicole previste quando si fosse dimostrata l’infedeltà della donna.

Nell’impossibilità di divorziare, gli uomini, immersi in una società loro complice, alle volte ricorrevano a tali crimini. Iconico resta il celebre film del 1961 Divorzio all’italiana.

manifesto cinematografico film divorzio all'italiana 1961
Manifesto cinematografico del film Divorzio all’italiana, 1961

 

 Il reato di stupro e il matrimonio riparatore

Articolo 544 – “Matrimonio riparatore”
Per i delitti preveduti dal capo primo e dall’articolo 530, il matrimonio che l’autore del reato contragga con la persona offesa estingue il reato, anche riguardo a coloro che sono concorsi nel reato medesimo; e, se vi è stata condanna, ne cessano l’esecuzione e gli effetti penali. 

 

Spesso accadeva che le donne, sorprese in atti carnali extraconiugali, fossero vittime di stupro. Lo stupro non rendeva, però, la famiglia immune dallo stigma dell’onore violato.

La donna veniva considerata comunque colpevole.

La visione medievale della ”donna meretrice” era radicato nella società, fino alle sue più profonde radici. Inoltre, l’ordinamento giuridico offriva un condono per il carnefice. Se lo stupratore, una volta scoperto l’atto carnale compiuto, contraeva matrimonio con la sua vittima, il suo reato veniva estinto.

 

Il condono previsto dalla legge per gli stupratori

Possiamo affermare che i legislatori avevano previsto una sorta di ”incentivo” al matrimonio, proponendolo come salvacondotto per gli autori di reati sessuali.

Sconvolgente che nell’Italia cattolica, se lo stupro commesso era di gruppo e un membro del branco contraeva matrimonio con la vittima, automaticamente tutti gli autori dello stupro di gruppo erano assolti.

In questa storia degli orrori, che ha rappresentato la storia d’Italia fino al 1981, amaramente si constata che le vittime di stupro regolarmente accettavano questi matrimoni.

Ragazze, spesso anche bambine, sono state costrette ad accettare. Non era sufficiente la possibilità di venire ammazzate dai propri familiari, colpevoli di un atto che spesso gli veniva imposto contro la loro volontà.

Analizzando la società dell’epoca, si giunge alla conclusione che non avevano  scelta.

Opporsi al matrimonio riparatore, anche in caso di stupro, significava condannarsi allo stigma sociale.

Una società, quella italiana, che rifletteva secoli di cattolicesimo oscurantista, poi evolutasi nella società fascista del ventennio e, infine, tramutatasi nella Repubblica dominata dalla democrazia cristiana. Faceva sì che le famiglie italiane che componevano tale società le avrebbero diseredate, mandandole via di casa.

 

Vittime, sia del carnefice che della società. In ogni caso, la condanna era a vita

Non accettare il matrimonio riparatore comportava che non avrebbero trovato lavoro, che fossero diseredate dalle famiglie e spinte ai margini, con la consapevolezza che nessuno le avrebbe sposate, avendo loro colpevolmente perso la loro “verginità”.

Tale coercizione imposta dalla realtà sociale imponeva il ricatto. Se non avessero accettato il matrimonio col proprio carnefice per sopravvivere, non sarebbe rimasta che la via della prostituzione.

Le vittime, intrappolate dalla certezza del diritto dell’epoca, non erano vittime una volta sola: divenivano vittime a vita, condannate a sposarsi e a vivere col proprio violentatore per sempre.

Senza dimenticare la perenne minaccia di poter essere ammazzate, quasi impunemente, dal loro carnefice se mai si fossero innamorate di qualcuno nel corso della loro vita, cercando, per sfuggire all’incubo della loro vita, solo un po’ d’evasione nell’amore clandestino.

Queste leggi hanno reso possibili pratiche medievali, perché rendevano possibili i matrimoni forzosi. Non pochi furono i casi di uomini che costringevano le donne a sposarli. Era pratica comune: era sufficiente stuprarle e, poi, comunicarlo alla famiglia, e il gioco era fatto. Non vi era bisogno di corteggiarle.

Analizzare la storia della società italiana, della sua morale e delle sue leggi, ci mostra senza equivoci che non siamo culturalmente così lontani da paesi come l’Afganistan o il Pakistan, con il quale gli italiani di oggi si misurano per celebrare la superiorità morale della civiltà occidentale di tradizione cristiana.
 

 Il caso di Franca Viola

Molteplici sono i casi che, nel corso degli anni ’50, ’60 e ’70 i quali hanno scandalizzato la società piccolo borghese di discendenza fascista, quale è ed è stata l’Italia.

Casi che hanno smosso l’opinione pubblica, portando con grandi difficoltà alla conquista di diritti basilari che, sembra assurdo, fino al 1981 sono stati negati.

Il più importante, tra tutti, è stato il caso di Franca Viola, giovane ragazza siciliana che, rapita a stuprata dal branco, fu la prima a rifiutare il matrimonio riparatore.

Il suo rifiuto ha scandalizzato l’opinione pubblica. Denunciando i suoi carnefici, affrontando il processo e subendo la gogna pubblica, riuscì a mettere in dubbio le consuetudini patriarcali.

foto dell'articolo del giornale la stampa
“Mia figlia non sposerà mai l’uomo che l’ha rapita e disonorata”, La Stampa

Il documentario Rai: ”processo per stupro”

A far comprendere all’opinione pubblica italiana quanto fosse arretrato e patriarcale l’ordinamento giuridico, spogliandolo delle attenuanti e ponendo in risalto la necessità di riformarlo, fu fondamentale la messa in onda, nel 1979, di un documentario della Rai, girato in tribunale e intitolato “processo per stupro”.

Tuttavia solo nel 1981, questi due barbari articoli del codice penale italiano furono abrogati.

Estratto documentario Rai ”Processo per stupro”

Abrogare una norma giuridica non basta a cancellare una norma culturale

Purtroppo, si è abolito un articolo, non un costume. Non si è abolito il senso di superiorità del genere maschile sul genere femminile, né è stato eliminato quell’istinto animale di prevaricazione del più forte sul più debole.

Non basta abolire una norma per far sì che la consuetudine oppressiva, insita nella nostra società e di ascendenza millenaria, scompaia come se non fosse mai esistita. Né è sufficiente far finta che certe barbarie non siano mai esistite in Italia. Barbarie, ricordiamo, così diffuse e comuni tanto da essere state previste dal nostro codice penale.  

 

Il legame tra antifascismo e antisessismo

In Italia, assistiamo a esercizi di retorica, da parte di chi riveste ruoli istituzionali, in favore delle donne. Veri e propri sofismi sull’importanza della parità di genere, vuoti del significato dell’atto concreto di cambiare le cose.

Spesso, chi riveste tali ruoli non riesce, anzi, si rifiuta categoricamente di dichiararsi antifascista.

Il grado di civiltà e il carattere di determinate correnti politiche lo si misura dalle leggi che le stesse hanno proposto.

Tra le colpe ingiustificabili, imputabili alla canaglia fascista, non vi sono solo le leggi razziali, ma anche le leggi di genere, come le sopra citate. Leggi che prevedevano il dominio e il possesso della donna come un mero oggetto alla mercè del maschio italico.

Dichiararsi antifascisti significa dichiararsi automaticamente antipatriarcali, antisessisti e femministi. Non si può essere antisessisti e non essere antifascisti.

Non parliamo di errori in corso d’opera commessi dal fascismo: parliamo del suo codice penale. Un codice sapientemente studiato e programmato. Né dimentichiamo il codice civile fascista, divulgato nel 1942  anch’esso tuttora vigente nell’ordinamento giuridico italiano.

Non basta aver apportato modifiche e continuare ad apportarle, mantenendo il telaio repressivo che il nostro ordinamento prevede. L’Italia, per fare i conti col proprio passato, dovrebbe adottare un nuovo codice civile e penale. Proprio per ristabilire quell’onore nazionale, violato da quel regime che ha permesso e agevolato tali crimini contro le sue figlie.

 

Fonti:

https://www.normattiva.it/uri-res/N2Ls?urn:nir:stato:regio.decreto:1930-10-19;1398 

https://www.gazzettaufficiale.it/sommario/codici/codicePenale

 https://it.wikipedia.org/wiki/Codice_penale_(Italia)

https://it.wikipedia.org/wiki/Delitto_d’onore

https://www.thewom.it/culture/wompower/fondazione-giulia-cecchettin

https://www.robadadonne.it/225349/matrimonio-riparatore-storia-abolizione/

Il dono dello spettro autistico: Andy Warhol, il padre della Pop Art

Essere autistici non è un limite, bensì un dono.

Questa serie di articoli, oggi al primissimo numero, vi narrerà di grandi personaggi che hanno fatto la cultura del mondo e di come il loro appartenere allo spettro autistico li abbia condotti a scrivere le pagine della nostra storia.
Per l’autrice del filone il dono dello spettro autistico, “diverso” non è mai “sbagliato”.

Cari lettori, accomodatevi! Ve lo dimostrerò solo scrivendone.

Rappresentazione di un cervello neurodivergenteFonte: https://www.dirime.com/wp-content/uploads/2022/12/Il-dibattito-sulla-neurodivergenza-tra-priorita-e-nuove-narrazioni.jpg
Rappresentazione di un cervello neurodivergente
Fonte: https://www.dirime.com/wp-content/uploads/2022/12/Il-dibattito-sulla-neurodivergenza-tra-priorita-e-nuove-narrazioni.jpg

 

Neurodivergenza e spettro autistico

A fine 2024, l’informazione scientifica corre repentina e, fortunatamente, leggiamo e sentiamo parlare sempre più spesso di terminologie come “neurodivergenza” o “neuroatipico”.

Ma cosa significano queste parole?

Nella sconfinata eterogeneità umana, ci accorgiamo che molteplici persone condividono un determinato numero di caratteristiche rispetto ad altre, quelle che la società ci impone come concetto di “normalità”, ovvero un’utopia.

Se è vero che la maggioranza degli individui percorre uno sviluppo neurologico che può essere considerato tipico, una parte minore della popolazione (che alcuni situano tra il 15 e il 20%), invece, condivide uno sviluppo neurologico sotto certi aspetti differente dalla maggioranza, descritto da un punto di vista statistico come atipico.

Queste persone sono definite neuroatipiche o neurodivergenti. Tra loro possiamo trovare individui autistici, ADHD, con disturbi specifici dell’apprendimento, eccetera.

Nell’ultima edizione del DSM (Manuale Diagnostico e Statistico dei Disturbi Mentali) ormai non si parla più di autismo” ma di disturbi dello spettro autistico”. Una definizione, che indica una serie di condizioni caratterizzate da difficoltà di comunicazione e interazione sociale, e da comportamenti limitati e ripetitivi che possono affliggere un soggetto, che elimina la classificazione in tipologie, riportata nella versione precedente del manuale.

Tenendo presente che questa classificazione dell’autismo in tipologie è ormai obsoleta, la penultima edizione del DSM dedicava una trattazione ai disturbi pervasivi dello sviluppo, i quali comprendevano nello specifico: autismo, sindrome di Asperger, sindrome di Rett, disturbo disintegrativo dell’infanzia e disturbo pervasivo dello sviluppo non altrimenti specificato.

Il DSM-5 distingue, in base a dei parametri, tre livelli di gravità dell’autismo: livello 1, un tempo detto anche ad alto funzionamento; livello 2, ovvero medio funzionamento; e livello 3, che chiamavano basso funzionamento.

Andy WarholFonte: https://hamiltonselway.com/wp-content/uploads/2017/08/Warhol.jpg
Andy Warhol
Fonte: https://hamiltonselway.com/wp-content/uploads/2017/08/Warhol.jpg

Andy Warhol, il padre della Pop Art

Andy Warhol è stato uno dei più importanti artisti americani del XX secolo, ed è riconosciuto come il padre della Pop Art.

Cambiò l’idea stessa di artista, che per la prima volta divenne imprenditore di sé stesso.

Warhol era dotato di un’abilità comunicativa non comune e di una grande capacità di osservazione, costruendosi, grazie a queste, un’immagine da “divo”, prima che di semplice artista.

Nasce a Pittsburgh il 6 agosto 1928. Sin dai primi anni della sua vita, sviluppa una vocazione per l’arte, che lo porterà a dedicarvisi a 360º. Spazia dalla pittura alla grafica, dall’illustrazione alla sceneggiatura, fino alla regia e molto atro.

La sua carriera ha inizio a New York, quando comincia a lavorare come grafico pubblicitario presso alcune riviste, come Vogue e Glamour.

Dal mondo della comunicazione esordì il suo tratto distintivo: il linguaggio impersonale, volto a fare un tipo di arte che fosse registrazione “oggettiva” della realtà.

Innumerevoli le sue opere, di cui ne passeremo in rassegna solo poche delle più iconiche giusto per farvi assaggiare il genio del personaggio e della persona dietro al personaggio.

Andy, durante la sua vita, circondato da altri con cui scambiare suggerimenti ed idee, lavorò alla Factory con ritmi serrati, da “catena di montaggio”.

La Factory era una open house,  uno “spazio ideologico” libero, dove le nozioni della Pop Art diventavano vita giornaliera.

Il gruppo era un nucleo con un linguaggio comune, uno stile fondato sull’accettazione di qualsiasi comportamento, senza pretese o giudizi. Chiunque era invitato a partecipare e, per questo, da qui nacquero e passarono diversi personaggi di spicco dell’epoca, tra cui Bob Dylan, David Bowie e Keith Haring.

Nel giugno 1968, Warhol e il suo compagno vennero feriti con una serie di colpi d’arma da fuoco dalla femminista Valerie Solanas. L’incidente danneggiò tutti i principali organi interni dell’artista e segnò profondamente la sua vita, facendolo sentire a tutti gli effetti un “sopravvissuto”.

Andy Warhol morì a New York, avvolto nel suo velo di “mistero” e timidezza, il 22 febbraio 1987, in seguito a un intervento chirurgico alla cistifellea.

Dopo la morte, la sua fama crebbe a tal punto da renderlo il secondo artista più comprato e venduto, dopo Pablo Picasso.

Quattro lattine di Coca Cola, Andy Warhol
Quattro lattine di Coca Cola, Andy Warhol

 

Opere del genio

Tramite tecniche di produzione industriale come la serigrafia su tela, Andy raffigurava oggetti di uso comune e alla portata di tutti i ceti sociali in serie, alterandone il colore, come detersivi, zuppe Campbell o Coca-Cola. Secondo le sue ideologie, infatti, l’arte doveva essere di immagini oggettive e “pronte alla consumazione”. Come un prodotto da supermercato, insomma.

Ben presto gli oggetti e le persone da lui raffigurati diventarono icone del modo di vivere americano.

Dittico di Marilyn, Andy Warhol, 1962
Dittico di Marilyn, Andy Warhol, 1962


Tra le persone raffigurate nelle opere del maestro di questa Pop Art, ricordiamo, per esempio, Marilyn Monroe.

Andy era così interessato a mostrare nelle sue opere prodotti di largo consumo che non poteva perdere l’occasione di mostrare l’attrice come un altro prodotto della cultura popolare, come si può vedere nel suo primo lavoro sull’attrice “Dittico di Marilyn”.

Non si trattò di un vero e proprio ritratto, quanto piuttosto della riproduzione della sua immagine pubblica, diffusa dai media, sempre in serie, per compiacere gli ammiratori.

Sleep, Andy Warhol, 1963
Sleep, Andy Warhol, 1963

La pratica del distacco emotivo fu principale nel modus operandi di Warhol: anche i suoi prodotti cinematografici ne sono testimonianza.

Uno dei suoi lavori d’avanguardia, “Sleep”, del 1963, mostra un uomo che dorme per cinque ore e venti. Girato senza sonoro, con caratteristiche che rallentano e amplificano l’immagine del film, che viene percepito in un tempo lunghissimo e oggettivamente.

Diagnosi e controversie

Esperti come Judith Gould, direttore del principale centro diagnostico per l’autismo nel Regno Unito, insistono sul fatto che sia palese che Andy Warhol fosse autistico, seppur la sua è solo una diagnosi post mortem.

In fin dei conti, il mantra dell’artista è ben chiaro: fissazione e ripetizione dei concetti, distacco emotivo, impersonalità.

Gran parte del lavoro dell’artista verte sulla ripetizione, sulla quale solitamente si concentrano i comportamenti delle persone autistiche.

Nelle interviste, inoltre, è facile notare che il padre della Pop Art replicava quasi sempre alle domande con risposte monosillabiche. Forse prova della sua dislessia verbale, comune tra le persone nello spettro?

Tuttavia, non è unanime il pensiero che Andy fosse autistico. Coloro che sostengono questa diagnosi postuma suggeriscono che il diverso modus operandi di Warhol sia stato calcolato nel tentativo di “aumentare il senso del suo mistero”.

Fonte: https://www.metododanielenovara.it/wp-content/uploads/2024/03/Ripensare-le-diagniso-sullautismo-scaled.jpg
Fonte: https://www.metododanielenovara.it/wp-content/uploads/2024/03/Ripensare-le-diagniso-sullautismo-scaled.jpg

Non bisogna guardare alla diagnosi di spettro autistico come un difetto della persona in questione o qualcosa che necessariamente segnerà in maniera negativa la sua esistenza, ma come un punto di forza, di acuta distinzione dalla massa.

Notate bene, affermando ciò non intendo “spettacolarizzare” questa condizione umana, bensì ricordare che una neurodivergenza, una diversità, non definisce l’individuo.

Magari, neurodivergente che stai leggendo, la tua serrata abitudine di uscire di casa tutti i giorni esattamente alle 7.44 del mattino, oggi, potrebbe essere vista come un’ossessione… Ma chissà che diventi il tuo marchio di fabbrica, il tratto distintivo della tua popolarità, domani.

Fonti:

https://specialisterneitalia.com/autismo-neurodiversita-e-neurodivergenza/

Autismo e disturbi dello spettro autistico: di cosa si tratta?

https://www.finestresullarte.info/arte-base/andy-warhol-vita-opere-padre-della-pop-art

https://it.m.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol

Le 30 persone nello spettro autistico più famose della storia

I gitani, una cultura tra musica e libertà

Il termine Gitano ha un qualche collegamento diretto con il concetto di libertà, una cultura senza restrizioni.
Sebbene molti lo siano, non tutti i gitani sono, però, nomadi. Non tutti vivono in roulotte, tende o vagoni.

La verità è che negli ultimi mille anni, i gitani si sono spostati da un paese all’altro, principalmente a causa della persecuzione e della schiavitù.

I gitani, o più comunemente detti Gipsy, sono famosi per la loro ospitalità, la loro musica e il modo di fare festaiolo che tira dentro il loro mondo chiunque ne entri a contatto.

Nonostante sia difficile definire il suo stile e i suoi parametri, la musica Gipsy è passata almeno una volta nelle nostre orecchie. Mista nel suo genere ma caratterizzata da virtuosismi, cambi di tempo, gradi di scala alterati e strutture armoniche più complesse, modifica la musica esistente per portare qualcosa di nuovo e mai sentito prima.

I testi delle canzoni dei gitani sono spesso cantati in uno o più dialetti della loro lingua, e la danza, in particolare il flamenco, accompagna spesso la performance.

La musica Gitana varia in base alle zone in cui nasce, ma ci sono dei tratti caratteristici ineguagliabili.

L’uso di tre voci o parti: la linea melodica, la parte strumentale e quella vocale. La sincope che è un metodo musicale secondo cui la musica inizia subito dopo un battito, mantenendo un ritmo coerente. La capacità di suonare la musica con frasi diverse, e questo significa che l’ingresso e l’uscita di diversi temi musicali sono percepiti in momenti diversi durante una canzone, attraverso il ritmo o gli strumenti. L’armonia, nella quale viene usato un accordo minore invece di un accordo maggiore. Ed infine il canto, dove si enfatizzano le naturali capacità vocali.

Da dove nasce la musica gitana: i Baliardo e i Reyes

La musica gitana prende piede grazie a Ricardo Baliardo o, per meglio dire, Manitas de Plata. Chitarrista francese di flamenco che fu notato in America e riuscì così a registrare i suoi primi dischi, Ricardo era il fratello dei Baliardo e il cugino dei Reyes. È proprio così che inizia la generazione dei Gipsy Kings, una band di rumba catalana che per molti anni è stata composta da una famiglia unita.

I Reyes e i Baliardo, famiglie imparentate tra loro, sono di origine catalana, ma lasciarono il paese durante la guerra civile spagnola, istallandosi, poi, in Francia.

I piccoli Reyes nacquero e crebbero con la musica nel sangue. Il padre Josè Reyes trovò una casa discografica e in questo modo riuscirono a incidere il loro primo album.

I Gipsy Kings si componevano dei fratelli e di quello che per Josè Reyes era un figlio adottivo, Chico Bouchiki, che, dopo un forte litigio, si allontanò, mantenendo comunque un rapporto familiare intatto.

Dal 1978, suonano in giro per il mondo, portando quello che è a tutti gli effetti uno stile unico. Una fusione di rumba flamenca, flamenco tradizionale e musica pop.

Nonostante le varie critiche ricevute nel corso degli anni, i Gipsy Kings riuscirono a conquistare la Francia, e non solo, con Bambolèo, fino a rielaborare in chiave flamenco una dedica tutta italiana, Nel blu dipinto di blu di Domenico Modugno.

Rimasero nelle classifiche americane per ben quaranta settimane e portarono avanti la loro carriera, iniziando da feat con cantanti italiani come Gigi D’Alessio, fino a lavorare con la Disney per Toy story 3.

Nel 2006, abbiamo il loro ultimo album.

Da quel momento, ogni fratello ha composto un suo gruppo personale, con cui tutt’ora lavora. Pablo Reyes, ad esempio, uno dei fondatori, continua a girare il mondo, portando la sua musica, con il suo gruppo Gipsy Kings way e così tutti gli altri componenti.

Fonti: 

https://www.eroicafenice.com/salotto-culturale/la-cultura-dei-gitani-un-viaggio-tra-musica-e-tradizioni/

https://en.wikipedia.org/wiki/Manitas_de_Plata

https://it.wikipedia.org/wiki/Gipsy_Kings

Dino Buzzati: sogni e attese nei suoi Sessanta racconti

Quando Dino Buzzati pubblica, nel ’58, Sessanta racconti ha già alle spalle un’avviata carriera. La sua produzione è cospicua sia per la prosa lunga – il suo capolavoro, Il deserto dei Tartari, è approdato in libreria nel ’40 per la Rizzoli – sia per quella breve, avendo infatti già scritto diverse sillogi.

“Sono le 57 e un quarto”

I temi trattati dallo scrittore bellunese sono legati quasi tutti a un mondo fiabesco e puro, che probabilmente lo scrittore apprendeva dall’osservare la natura incontaminata durante le sue passeggiate in montagna.

Tuttavia, quella che potrebbe sembrare una realtà tranquilla, di nuvole e natura serena, copre un mondo spesso angosciante, duro e giudicante. Lo si nota in particolare in Non aspettavano altro, in cui i due protagonisti vengono torturati per un crimine inesistente. Questo racconto, come altri, ha quell’aria angosciosa tipica degli incubi: sono da sogno, infatti, la sensazione di impotenza quanto l’urlo che muore in gola prima ancora di poter essere lanciato.

Dino Buzzati. Fonte: Archivio Farabola

Sempre riguardo al tema dell’incubo, che è tra i più frequenti nella raccolta, notiamo uno degli aspetti più condivisibili della narrativa buzzatiana. A chi non è mai successo di leggere, mentre sognava, orari impossibili sugli orologi? È quello che capita al Buzzati-personaggio in All’idrogeno, dove ” Sono le 57 e un quarto “.  È in questo racconto che brilla un aspetto fondante della raccolta: l’attesa, onirica e frequente, di un qualcosa di sconosciuto, il dover andare ad un ritmo non sempre sentito come personale.

Nei sogni come nella veglia, quasi tutti i personaggi di Buzzati sono spettatori di un mondo di cui non sono veramente parte attiva, che difficilmente è comprensibile o giustificabile, appunto, come un incubo in cui l’orologio punta le 57 e un quarto.

La quotidiana ipocrisia in Dino Buzzati

In Buzzati l’inquietudine nasce proprio da quella normalità borghese che permeava la quotidianità che lo stritolava nella noia. Sono le piccole differenze dal normale vissuto a stupire i protagonisti, spesso portandoli a vere e proprie crisi esistenziali. Basta un’anomala goccia che sale le scale a turbarci (nel racconto Una goccia) o anche il progredire in una fantasia sfrenata da bambini, che porta al disastro (ne Il borghese stregato). È nella vita di tutti i giorni, quella in cui si annidano le paure più morbose, recondite o imbarazzanti, che i personaggi alieni o fantastici fanno emergere l’ipocrisia della vita di quotidiana.

Sono voci misteriose, o mostri insospettabili, a far sparire gli idilli in cui si nascondono i protagonisti di una silloge in cui perfino gli insetti hanno una loro rivalsa sulla tracotanza umana.

Il colombre disegnato da Dino Buzzati.
Il colombre disegnato da Dino Buzzati.

I non idilli di Dino Buzzati e Italo Calvino

Leggere Sessanta racconti non può che farci sentire i più piccoli abitanti di un cosmo senza limiti, ma sicuramente anche i più arroganti e ottusi. Questa, in fin dei conti, è anche la più grande differenza con il fantastico in Italo Calvino: se Buzzati parte dal quotidiano per “far urlare il più possibile gli oggetti familiari” (citando una frase di Magritte) fino ad arrivare al mondo delle fiabe, Calvino attraverso il fiabesco ci parla del quotidiano.

Sarebbe un grande errore, d’altra parte, credere che gli scritti di Buzzati siano leziose e pedanti critiche. Dietro l’angoscia o la più pura ansia di alcuni racconti ci sono vere e proprie perle di una fantasia sfrenata che mira semplicemente a divertire e che non può essere chiusa nelle maglie di uno spicciolo moralismo.

Carlo Rotondi

L’umanità e il ciclo della guerra

L’Insegnamento del Dolore

 

Fonte: https://www.elconfidencial.com/cultura/2018-10-23/robert-capa-fotografia-segunda-guerra-mundial-frank-scherschel_1634364/

 

L’essere umano, sin dai suoi albori, ha vissuto l’atrocità della guerra come un marchio indelebile sulla propria storia. 

Le cronache antiche raccontano di battaglie sanguinose e conflitti che hanno segnato il destino di intere civiltà.
Da Omero, che nella “Iliade” descrive il dolore e la perdita di vite umane, a Tolstoj, il cui “Guerra e Pace” offre una riflessione profonda sulla condizione umana in tempo di conflitto. La letteratura ha sempre cercato di catturare l’essenza della sofferenza causata dalla guerra.

Eppure, la storia sembra ripetersi.
Le attuali guerre in Ucraina e Palestina riaccendono la discussione su quanto, realmente, abbiamo imparato dal nostro passato.

Il sangue versato nel corso dei secoli potrebbe suggerire che, in effetti, l’umanità tende a ripercorrere gli stessi sentieri di violenza. L’atroce ciclo della guerra sembra non avere fine, e ci si chiede: perché l’uomo continua a imporsi con violenza?

La risposta è complessa e affonda le radici nella nostra natura.

Come scrisse Erich Fromm, “l’uomo è un animale sociale, ma è anche un animale aggressivo”.

Questa dualità ci porta a esplorare le ragioni che spingono le nazioni e i popoli a risolvere le proprie divergenze attraverso l’uso della forza. L’umanità, anziché apprendere dalla sofferenza, sembra a volte rimanere intrappolata in un ciclo di vendetta e ritorsione.

Il conflitto in Ucraina e la situazione in Palestina evidenziano il dramma di popoli oppressi e combattenti, ognuno con le proprie ragioni, le proprie sofferenze, ma anche le proprie speranze. La questione è se, davanti a tanta desolazione, si possa davvero intraprendere un percorso di dialogo e comprensione reciproca.

Gandhi, con la sua filosofia di non violenza, ci ricorda che “la vera forza non consiste nel colpire, ma nel resistere alla tentazione di farlo”.

Eppure, la tentazione è spesso irresistibile.

Il dolore e la perdita che derivano dalla guerra hanno la capacità di risvegliare in noi una compassione profonda, ma il rischio è quello di trasformare questa empatia in una reazione di difesa e aggressività.

L’insegnamento del passato, quindi, non dovrebbe essere solo un monito, ma un’opportunità di riflessione.

Come scrisse Primo Levi, “se comprendere è impossibile, conoscere è necessario”, perché solo attraverso la conoscenza possiamo sperare di spezzare il ciclo della violenza.

Fonte: https://glamourdaze.com/2018/05/heroic-hardass-women-of-ww11.html
Fonte: https://glamourdaze.com/2018/05/heroic-hardass-women-of-ww11.html

Abbiamo la responsabilità di guardare alla storia non solo come un catalogo di atrocità, ma come un insieme di lezioni da apprendere. Ogni conflitto, ogni guerra, dovrebbe insegnarci a cercare alternative alla violenza, a promuovere il dialogo e la pace.

La vera sfida è quella di trasformare il dolore in comprensione, di utilizzare la sofferenza come carburante per costruire ponti anziché muri.

In questo momento critico, in cui la guerra continua a mietere vittime, è fondamentale che l’umanità si fermi a riflettere.

Dobbiamo chiederci: cosa abbiamo imparato? Possiamo costruire un futuro in cui la guerra non sia più una risposta?

La risposta è nelle nostre mani. Solo attraverso il dialogo e la comprensione reciproca possiamo sperare di superare il passato e costruire un mondo in cui il sangue versato non sia stato vano, ma diventi il seme di una nuova era di pace e coesistenza.

 

Soldato in guerra Fonte: https://cherrieswriter.com/bdf1c94a093ab348eec161f2057bfd14/
Fonte: https://glamourdaze.com/2018/05/heroic-hardass-women-of-ww11.html

Nel cuore dell’Europa, dove la storia è costellata di cicatrici profonde, la nostra società si trova oggi di fronte a una sfida cruciale: la difesa dei diritti umani.

Gli eventi che hanno segnato il Novecento ci ricordano che il sangue versato per la libertà non deve essere dimenticato. Ogni passo indietro in termini di diritti civili è un passo verso l’oscurità, un’involuzione che nessuno di noi può permettersi.

In un momento in cui il mondo sembra essere lacerato da conflitti e divisioni, l’Italia deve essere un faro di speranza.

Dobbiamo rispondere all’odio con l’amore, alla paura con la compassione. Ogni persona merita di essere ascoltata, ogni storia merita di essere raccontata. Non possiamo lasciare che la narrazione sia dominata dalla disumanizzazione e dall’indifferenza.

Riflettiamo, dunque, sulle nostre scelte e sul futuro che vogliamo costruire.

L’umanità ha pagato un prezzo altissimo per i diritti che oggi diamo per scontati. Non dimentichiamo, non voltiamo le spalle. Lottiamo insieme per un’Italia che rappresenti davvero tutti, dove il rispetto e la dignità siano i pilastri su cui costruire la nostra società. La nostra voce è potente; usiamola per promuovere la pace e i diritti di ogni individuo.

Dracula – L’icona dell’horror tra letteratura e cultura popolare

Chi è il Conte Dracula?

Dal romanzo di Bram Stoker del 1897, il Conte Dracula è diventato un vero e proprio mito del genere horror. Un personaggio enigmatico che incarna le paure dell’epoca vittoriana, catturando l’immaginazione di generazioni di lettori.

Ma cosa rende Dracula così affascinante?

Parte del suo successo deriva dalla sua natura duale di mostro e seduttore, e, in particolar modo, dal suo profondo legame con la tradizione folcloristica dei Paesi dell’Est Europa.

Le origini di questa figura sono, però, molto più remote: il vampiro ha terrorizzato l’umanità sin dai tempi antichi.

Scrittori come Eschilo, Omero e Orazio ne fecero menzione. Per i Greci era considerato una vera e propria maledizione. Nel Medioevo, si usava esorcizzare le spoglie di chi era sospettato di vampirismo, praticando rituali che prevedevano l’inserimento di un punteruolo nel cuore.

È probabile che l’opera di Stoker prenda ispirazione da una paura generalizzata e profondamente radicata nei confronti del vampiro. Questa figura inquietante non rappresenta solo un mostro, ma incarna anche tematiche universali. Il Conte Dracula è, infatti, una potente metafora di transizione, situato al confine tra vita e morte.

La sua presenza misteriosa e trasgressiva invita a confrontarsi con le paure di un’epoca in rapido cambiamento, divenendo un simbolo estremamente complesso.

 

Vlad III Dracula

Ma è tutta finzione? In realtà, la figura di Dracula è legata a vari personaggi storici, in particolare a Vlad III Principe di Valacchia. Egli prese il soprannome di Draculea dal padre, noto come Dracul per il suo legame con l’ordine del Drago. Tuttavia, nella mitologia rumena la figura del drago non esisteva e il termine Dracul designava il diavolo.

Vlad III si distinse per la sua spropositata crudeltà. Dalle cronache dell’epoca è raffigurato come un torturatore che beveva il sangue delle sue vittime. Durante i tre periodi in cui regnò, per un totale di sette anni, condannò a morte oltre 100.000 persone, la maggior parte dei casi per impalamento.

 

Vlad III, Principe di Valacchia
Vlad III, Principe di Valacchia

Il romanzo di Bram Stoker

Il romanzo di Bram Stoker è raccontato attraverso lettere e diari. In particolare, quelli di Jonathan Harker, il quale si reca in Transilvania per un affare con il Conte Dracula.

Nonostante gli avvertimenti degli abitanti, Harker incontra Dracula, che si mostra inizialmente ospitale. Ben presto, però, realizza di essere prigioniero nel suo castello e parte del piano diabolico del suo padrone. Il Conte Dracula è un vampiro con poteri soprannaturali ed intende andare a Londra per trovare nuove vittime e creare un esercito di vampiri.

In una lotta per mettere fine al suo piano di vampirizzazione, i vari personaggi si susseguono fra le pagine dando vita al primo romanzo horror nella storia della letteratura. Oscuro, voluttuoso e venato di gotico, il Conte Dracula è, infatti, iniziatore del genere.

Dracula, 1931
Dracula, 1931

Oggi

Il romanzo contribuì ad accrescere la popolarità di questo personaggio, rendendolo uno dei simboli dell’ horror più conosciuti a livello mondiale. Ne seguirono numerose rappresentazioni cinematografiche. La prima risale al 1922. La più  fedele al romanzo è quella del 1992, diretta da Francis Ford Coppola.

Oggi, Dracula non rappresenta solo un personaggio di finzione, ma un vero e proprio fenomeno culturale che continua a risuonare nel tempo.

Nonostante la sua peculiarità sia il legame con personaggi storici e tradizioni folcloristiche, questa figura è capace di reinventarsi ed adattarsi ad ogni periodo storico grazie ai temi universali che affronta.

 

Fonti:

https://www.storicang.it/a/vlad-limpalatore-luomo-dietro-dracula_15840

https://www.studenti.it/dracula-bram-stoker-leggenda-trama-personaggi-analisi-libro.html

 

Antonella Sauta