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Maestro: Bradley Cooper torna alla regia

Posted on 22 Dicembre 202322 Dicembre 2023 by Redazione Recensioni

Maestro è un film del 2023 diretto, co-prodotto assieme a Martin Scorsese e Steven Spielberg, co-scritto ed interpretato da Bradley Cooper. E’ stato presentato in anteprima alla 80° Mostra Internazionale d’arte cinematografica di Venezia ed ora è uscito su Netflix, esattamente il 20 Dicembre.

Maestro: trama

«Un’opera d’arte non dà risposte alle domande, le suscita. Il valore sta nella tensione delle risposte contraddittorie»- Leonard Bernstein

Maestro è un film incentrato su Leonard Bernstein (Bradley Cooper), o meglio, narra la storia d’amore tra lui e l’attrice Felicia Montealegre (Carey Mulligan). Tutto inizia nel momento in cui Leonard ottiene la più grande opportunità della sua vita: dirigere per la prima volta a soli 25 anni la New York Philarmonic, al palcoscenico della Carnegie Hall. Da qui, la sua carriera decolla e si costruisce con la direzione d’orchestra, la composizione di musica, lo studio e l’insegnamento della musica. Allo stesso tempo, conosce e vive una storia d’amore con Felicia, con la quale convoleranno a nozze e metteranno su famiglia. Ma la loro storia sarà piuttosto travagliata, perché Leonard cadrà spesso in tentazioni e vivrà avventure extra-coniugali ed omosessuali.

La maturità di Bradley Cooper

Bradley Cooper ha una carriera completa e di tutto rispetto, dimostrando di essere davvero un attore maturo, nel corso degli anni. Ha dimostrato il suo talento in film come la trilogia di Una Notte Da Leoni, Il Lato Positivo – Silver Linings Playbook e Nightmare Alley – La Fiera Delle Illusioni. Per di più, ha dimostrato anche di essere poliedrico, cimentandosi nel doppiaggio (Rocket nei Guardiani Della Galassia) o addirittura mettendosi alla prova come produttore, sceneggiatore e soprattutto come regista.

E a proposito della regia, chi si ricorda di A Star Is Born? Questo film lo ha visto nel duplice ruolo di attore e regista, affiancato dalla cantante Lady Gaga. Lì ha dimostrato una regia calma e sofisticata, raccontando una storia d’amore emozionante ed abbastanza insidiosa, oltre che a motivare il prossimo a saper sfruttare il proprio talento. Già in quell’occasione, ha dimostrato anche di avere un’altra grande passione: la musica. Dopo cinque anni, torna dietro la macchina da regia in un film che rimane attinente alla musica e raccontando anche qui, una storia travagliata.

Maestro si può definire il punto più alto della sua carriera e si vede che Cooper ci teneva particolarmente alla realizzazione di questo film. Con il suo bagaglio di esperienze ha potuto ottenere lo straordinario risultato che ha ottenuto nella pellicola, rispecchiando esattamente la sua passione e il suo impegno.

Di cosa parla Maestro?

Come si è dimostrato in vari biopic, ciò che conta è come si vuole raccontare quella determinata storia possibilmente vera. L’inizio è mostrato con un ritmo un po’ lento e con una fotografia in formato 4:3 e con un bianco e nero che richiama il Neorealismo. Fin quando poi si passa ad un “aggiornamento” in cui vengono mostrati i vari colori e il trucco che ha reso lo stesso Cooper identico al vero Bernstein.

Dopo l’inizio della carriera di quest’ultimo e l’incontro con Felicia, ecco che viene mostrato il reale movente di Cooper: trasformare il biopic in un film sentimentale mirato a dare il giusto spazio ad entrambi i protagonisti e a scavare in profondità nell’animo umano di Leonard Bernstein. Voleva concentrarsi di più sulla vita privata di quest’ultimo e la relazione burrascosa con la moglie, fatta di tradimenti omosessuali da parte di lui, più che sulle varie esibizioni e sulla sua carriera musicale che formavano una “maschera” destinata poi a cadere. Vedendo il film, in cui la visione è accompagnata dall’ascolto delle musiche composte dal vero Bernstein, sorge il dubbio se amasse o meno sua moglie.

Nonostante i vari traguardi raggiunti, Bernstein sentiva un enorme vuoto dentro e cercava di colmarlo con “l’amore verso la gente”, ma questo amore lo portava sempre più lontano da Felicia interpretata da una bravissima Carey Mulligan (Una Donna Promettente). Lei, invece, è passata da essere una donna amorevole a una moglie ostile, ma allo stesso tempo per il bene dei figli, ha continuato a sopportare. Bernstein era combattuto tra i sensi di colpa e l’amore verso la gente, tanto che questo contrasto lo ha accompagnato fino alla fine dei suoi giorni.

Giorgio Maria Aloi

Santocielo, che miracolo!

Posted on 20 Dicembre 202319 Dicembre 2023 by Redazione Recensioni

*Ficarra e Picone tornano con Santocielo al cinema ancora una volta con la loro innegabile e bizzarra comicità -Voto UVM: 3/5*

Salvatore Ficarra e Valentino Picone sono un duo comico, tra i più amati d’Italia, emerso nel 1993. La loro forza comica affonda le radici, non in campo televisivo, quanto più all’interno di pub e cabaret siciliani attraverso una formazione teatrale da autodidatti.

La loro fama è accresciuta con la partecipazione a programmi televisivi quali Zelig Circus e, in tempi più recenti, Striscia la notizia. Il loro primo film, Nati stanchi, uscì nelle sale nel 2001. Da allora, mostrarono, e tutt’oggi mostrano, una grande versatilità in vari ambiti artistici. Seguirono: La matassa, L’ora legale, il 7 e l’8 ed anche serie tv come Incastrati. Ora ritornano sul grande schermo con Santocielo!

Santocielo che inversione!

Dopo l’ultimo successo de La stranezza, Ficarra e Picone proseguono con l’uscita nelle sale cinematografiche, il 14 dicembre, del nuovo film intitolato Santocielo, dalla stravagante comicità, distribuito da Medusa Film e con la regia di Francesco Amato. Si tratta di una commedia natalizia adattata in accezione moderna dove tutto ruota intorno ad una questione riportata dagli angeli: l’egoismo e le azioni belliche da parte degli uomini. Per venire a capo ad una soluzione, gli angeli decidono di indurre una assemblea e proporre un sondaggio tra diluvio universale vs la nascita di un nuovo Messia. Con la vittoria della nuova venuta al mondo, verrà meno la portata decisionale di Dio, interpretato da Giovanni Storti del trio Aldo, Giovanni e Giacomo (Odio l’estate), evento mai accaduto prima.

Qui, per la prima volta, vedremo come figura principale Aristide (Valentino Picone) che si offrirà come volontario a questa missione per poter passare ad un livello più alto del semplice smistatore di preghiere dei fedeli. Il suo obiettivo, infatti, era arrivare al coro nel regno dei cieli.

Dio donerà ad Aristide una serie di poteri, in particolar modo, consacrerà la sua mano per poter ingravidare una donna e, in seguito la celebre frase: “vado ingravido e torno”, verrà catapultato nell’abisso terrestre. In questo luogo, ambientato a Catania e a lui sconosciuto, verrà a profilarsi un equivoco divino, dato dai vizi della società, che lo porterà a mettere incinto un uomo, Nicola Balistreri (Salvo Ficarra). Quest’ultimo è un maschilista sofferente per il divorzio dalla moglie che lo porta a scontrarsi con il rigidismo cattolico presente all’interno della scuola in cui ricopre la carica da vicepreside.

*Ficarra e Picone, fonte: pagina Instagram @ficarraepicone*

Santocielo: il potere della fede

Aristide cominciò a tener d’occhio gli sbalzi umorali di Nicola, dati dalla gravidanza, e nel frattempo si occupò di seguire un corso corale che pian piano lo porterà a legarsi ad una suora, Luisa, (Maria Chiara Giannetta). Ammaliata così tanto dalla fede emanata da Aristide, lo bacerà, mettendo in discussione inizialmente il suo percorso spirituale. Al tempo stesso, la notizia di uomo incinto cominciò a girare, costringendo Nicola e Aristide a rintanarsi in casa finché Suor Luisa non li aiutò a scappare nella ridente località di Montalbano Elicona dove risiedevano i suoi genitori. Qui trovarono un umile paese, indisposto a livello ospedaliero, ma pronto ad accoglierli e aiutarli. Al momento del parto però Nicola deciderà di non rinchiudersi nella vergogna e dare alla luce il nascituro in un ospedale pubblico.

Ma il nuovo Messia è una femmina

Ebbene, non ci saremmo mai aspettati che il nuovo Messia fosse in realtà una femmina. Aristide finalmente può, anche se a malincuore, tornare “lassù” al regno dei cieli e tutto improvvisamente prende forma nel momento in cui confessa alla suora la verità. Capisce, dunque, che il bacio con Aristide non era una perdita di spiritualità ma solo una maggiore attrazione ad essa. In sostanza, anche in questo caso assistiamo ad un rovesciamento dei canoni tradizionali in campo religioso: l’entrata di una donna Messia!

Uso dell’ironia dissacrante per rompere le barriere mentali

Santocielo si profila sicuramente come una commedia incentrata sul paradosso e lo stravagante, dal retrogusto amaro, ma che cerca fondamentalmente di abbattere i pregiudizi in primis sulla cristianità, senza fare la morale a nessuno. Al giorno d’oggi, la fede cristiana viene vista come una dottrina dominata da regole imprescindibili quando in realtà, come espliciterà Suor Luisa, la fede è uno strumento per sentirci meno soli dove non è importante se lassù qualcuno ci ascolta o meno. Parole che risuonano come incoraggiamento al senso di unione e comunità e di accettazione verso moderne regole. In conclusione, Santocielo inaugura un sentimento di una nuova speranza, soprattutto in questo tempo soggetto all’omologazione.

Stefy Saffioti

Willy Wonka, la nuova rappresentazione perbenista del personaggio

Posted on 15 Dicembre 202328 Ottobre 2024 by ASIA ORIGLIA 549819

Quest’anno alla magia del Natale si unisce anche la magia del cinema con Wonka, prequel sullo stravagante Willy Wonka. Dopo Gene Wider nel 1971 e Johnny Depp nel 2005, ora è Thimothee Chalamet ad interpretare il personaggio ideato da Roald Dahl nel suo romanzo La fabbrica di cioccolato. Wonka, distribuito nei cinema italiani dal 14 dicembre, è diretto da Paul King e vanta un cast d’eccezione: oltre alla presenza di Chalamet, nuova stella di Hollywood, ritroviamo anche Olivia Colman (la regina Elisabetta in The crown), Hugh Grant e Sally Hawkins (La forma dell’acqua).

Willy Wonka: dolce come un cioccolatino

Thimothee Chalamet (Dune, Bones and all) non poteva che essere un Willy Wonka anticonformista; giovane, di bell’aspetto e soprattutto ingenuo. Diversamente dalle versioni precedenti questo aspirante cioccolataio, lui è un mix di tanti ingredienti, quasi come quelli che Wonka utilizza per fare il cioccolato. In questo modo, riesce a distinguersi e a distaccarsi dalle altre precedenti rappresentazioni cinematografiche del personaggio.

Sa sa sa prova

Se l’iniziativa è quella di andare a vedere la fabbrica di cioccolato, dovete sapere che si tratta di… un musical, e mi spiace ammettere che la scelta di tradurre le canzoni in italiano, forse non è stata un’ottima idea. La traduzione dei brani ha fatto perdere parte della magia che veniva magari trasmessa maggiormente dai testi originali.

Per cui, abbiamo un Willy Wonka interpretato da Thimothee Chalamet che, in generale, all’apparenza sembra abbia 18 anni piuttosto che 27 (è chiaramente un complimento), un musical in italiano e uno dei personaggi principali alto un metro e venti, una bambina. Sembra che questa pellicola strizzi l’occhio proprio al pubblico più piccolo, soprattutto perché rende accessibile a tutti la storia, grandi e piccini.

NoodleS per tutti

Pochi minuti dopo l’inizio del film entra in scena un personaggio che il pubblico non saprebbe se identificare come quello principale. La storia di Willy Wonka diventa la storia di Noodle, una bambina rimasta orfana e condannata a vivere una vita rinchiusa in una lavanderia, gestita da una signora alquanto avida e per molti versi furba, la signora Scrubbit; la stessa che trarrà in inganno il povero signor Wonka. Probabilmente in un’altra vita avrà conseguito la laurea in legge, perché proprio per via di un contratto, anche Willy resterà suo prigioniero.

Meno cento punti a Grifondoro!

In verità, pensare ad Harry Potter nel momento in cui il titolo del biglietto acquistato è un altro, la trovo un po’ un’eresia, ma l’atmosfera che crea Wonka sembra essere paradossalmente simile! Si potrebbe pensare che il tocco di David Heyman, produttore di tutte ed otto le pellicole della serie cinematografica sul mago più famoso del mondo, sia diventata una testata.

Probabilmente manca quel piccolo accenno di oscurità del personaggio che dava unicità al film e allo stesso protagonista. L’aspetto più importante di Wonka sembra venir meno e di conseguenza la riuscita della pellicola fallisce nell’intento. Mentre questa sfumatura cupa sembra essere sviluppata ampliamente nella versione de La fabbrica di cioccolato diretta dal noto regista Tim Burton con Jonny Depp, qui sembra venire a mancare del tutto.

Momento perfetto, tempismo sbagliato

In un’epoca storica come questa, con la sensibilità di adesso, rivisitare un film del genere deve cercare di comunicare qualcosa al pubblico, ma in maniera più completa e marcata. Willy Wonka, descritto sia nei libri che nei film, è una persona che si nasconde dietro il suo difficile modo di esprimersi e rapportarsi al mondo, ma che paradossalmente mette in luce una serie di realtà. Probabilmente una scelta azzardata ma non da scartare potrebbe essere una seconda visione, per apprezzare di più la pellicola.

Asia Origlia

Sanremo Giovani: racconti di vita e sfumature d’amore

Posted on 13 Dicembre 202324 Ottobre 2024 by GAETANO ASPA

Dicembre porta con sé, oltre i profumi di pan di zenzero e dolciaria varia, un lieve odore di fiori freschi, i fiori di Sanremo. Perché sì, è vero che siamo a Natale, ma la nostra mente comincia a volare a quei giorni in cui tutta l’Italia si riunisce per cinque intensi giorni di musica.

Per questo, noi di UVM, in mezzo a questo clima natalizio, vogliamo trasportarvi sul palco dell’Ariston, puntando i riflettori sulle 12 canzoni dei giovanissimi autori che, giorno 19 dicembre, si sfideranno per stabilire i 3 fortunati vincitori che completeranno la rosa dei big in gara. Scopriamole insieme!

Bnkr44 – Effetti speciali

In questo brano, il gruppo di Villanova, ci racconta la difficoltà dell’amore giovanile pieno di sfumature contrastanti, attraverso il racconto di una storia ormai al declino.

Si lo so è stato bello però
abbiamo solo vent’anni

La cornice narrativa, posta su una serie di parallelismi tra il mondo cinematografico e la realtà della fine di una relazione, ci rimanda ad un distacco dolceamaro ma non drammatico.

Suoni elettronici e acustici si fondono in questo pezzo pop fresco ma mai banale.

Voto 5/5.

GrenBaud – Mama

Un pezzo frenetico che ci porta in una vita sfrenata, fatta di desideri lussuosi e l’incostante incertezza di farcela, di riuscire a tornare a casa. Il tutto mentre la madre sta a casa in ansia.

La canzone dello streamer non convince, non dice niente di diverso da quello che dice ormai ogni rapper/trapper della scena musicale, ma fatta peggio.

Voto 2/5.

Lor3n – Fiore d’inverno

Può un fiore sbocciare d’inverno? Purtroppo, la risposta è no!

Un passato ormai tramontato, che va via via sfumando ma che continua ad occupare un posto nella memoria, il continuo rimpianto di ciò che poteva essere ma non è stato.

se ho dato speranza ad un fiore
che in fondo nasceva in un tempo sbagliato
d’inverno

Tutto questo è Fiore d’Inverno, il singolo in gara di Lor3n, una dichiarazione d’amore suonata al pianoforte che, con una serie d’immagini dal sapore poetico, ci riporta al tempo vivo di una relazione matura ma concepita in un tempo sbagliato.

Voto 5/5

Tancredi – Perle

La nuova canzone di Tancredi, giovane cantautore uscito dal talent Amici, ci racconta una storia d’amore dai forti contrasti. Da un lato troviamo lei, una ragazza sognatrice che si perde nel blu del cielo, dall’altro lato lui, pieno di paranoie e insicurezze che guarda il pavimento.

ma io non sono niente
quando guardi il cielo azzurro io guardo le piastrelle

Mix tra indie e pop, tra sogno e realtà, dove in un rapporto altalenante, incontriamo l’eco della solitudine.

Voto 5/5

Dipinto – Criminali

Vita vissuta nelle periferie campane, le condizioni in cui crescono molti giovani nei quartieri difficili tra criminalità e voglia di riscatto sociale.

Dipinto, in questo brano old school, ci racconta una storia a lieto fine, dove queste cose “anormali” sono totalmente superate.

Voto 3/5

Nausica – Favole

Come nelle favole, cerchiamo sempre un lieto fine che tarda ad arrivare, che non arriva, troppo spesso desiderato e mai pienamente compiuto.

Favole, il brano di Nausica, parla proprio di questo, della ricerca della felicità, di quel lieto fine tanto atteso per dire che, a volte anche le favole hanno ragione.

La voce di Nausica accompagnata dal suono dell’arpa rende questa canzone davvero unica.

Voto 4/5

Clara – Boulevard

Diventare grandi, essere adulti, non ci da il dono dell’infallibilità anzi, ci fa rendere conto che tutti i nostri punti di riferimento sono esseri umani come noi, ognuno con le proprie fragilità.

Un racconto intimo quello portato sul palco da Clara che, con la sua Boulevard, vuole rendere omaggio alla madre che l’ha resa la donna che è oggi, ma è anche un invito per tutti coloro che si trovano in difficoltà a chiedere aiuto, perché “nessuno si salva da solo”.

Voto 4/5

JacopoSol – Cose che non sai

Pressioni, stress, paura di non farcela, pressioni e stimoli che ci portano a sentirci schiacciati, privi del tempo per noi, di fare quello che ci piace.

È di questo che ci parla JacopoSol, con la sua Cose che non sai, attraverso un flusso di coscienza, si mette a nudo mostrandoci le fragilità della nostra generazione.

Voto 3/5

Santi Francesi – Occhi tristi

Per quanto possa essere buio il presente, nessuna notte è troppo lunga per impedire al sole di sorgere, e di conseguenza al girasole di alzare la testa verso di esso.

Occhi tristi è la descrizione perfetta di un rapporto d’amore in cui, nonostante le insicurezze, la necessità di abbandonarsi nelle braccia dell’altro è più forte di tutto.

E con me porterò quel fiore che ti piace
Sarebbe bello disegnare la tua voce

La musica con l’aggiunta di componenti elettronica unita alla profondità del testo, ci catapultano nelle tormente dell’anima quando tutto sembra opporsi, ma il legame amoroso è così forte da non infrangersi.

Perché è bello sapere che il lieto fine può esistere.

Voto 5/5

Vale LP – Stronza

Un brano intimo che si evolve in qualcosa di più universale, il racconto della presa di coscienza di una personalità tossica, che tende a distruggersi e a distruggere.

E trovo mille modi per poterci ferirePer non sentire mai che sta arrivando una fine

Senza peli sulla lingua, Vale LP, ci racconta la storia di un amore dalle dinamiche tossiche, attraverso il punto di vista e la presa di coscienza della persona narcisista.

Voto 4/5

Fellow – Alieno

In una società sempre più conformista e conformata, dove l’unica cosa che conta è essere fighi, Fellow va controtendenza, parlandoci di alienazione sociale unita alle dinamiche d’amore, andando dritto al cuore di chi si sente fuori dal mondo.

E lo sai che ho già piantato una bandiera
su ogni mia nuova insicurezza

Un brano che parla di solitudine, ma anche della bellezza del creare legami con persone che ci capiscono veramente.

Voto 5/5

Omini – Mare Forza 9oi

Attraverso suoni carichi di esplosivo rock dal ritmo incalzante, gli Omini ci raccontano della tempesta che può nascere tra due individui che, come il mare che può raggiungere forze distruttive, così la passione può arrivare a decuplicare questa forza, facendo diventare esplosivo il “noi”.

Voto 4/5

Gaetano Aspa

Altri 60 di questi, Brad Pitt!

Posted on 11 Dicembre 202311 Dicembre 2023 by Redazione Recensioni

William Bradley Pitt, megli noto come Brad Pitt, nasce a Shawnee (Oklahoma) il 18 Dicembre del 1963 dai coniugi Bill Pitt (dirigente di trasporti) e Jane Etta Hillhouse (consigliere scolastico).

Dopo una brillante carriera da atleta nell’adolescenza, decise di frequentare l’Università del Missouri in giornalismo e grafica pubblicitaria. Abbandonò il mondo universitario a pochi esami dalla laurea per seguire il suo sogno di recitare nei film di Hollywood. Prima di iniziare a recitare ha fatto gavetta lavorando come autista per spogliarelliste in limousine, il trasportatore di frigoriferi e addirittura travestendosi da pollo per promuovere una catena di ristoranti.

Le serie tv come trampolino di lancio

Ad aiutare la sua ascesa nel mondo dello spettacolo sono state principalmente delle parti prese in varie soap opera quali Destini (1987), Dallas (1987), 21 Jump street e Genitori in blue jeans (1987-1989). Raggiunge il successo nel ’91 nel film Thelma e Louise. Al contrario nel 2001 la sua comparsa in Friends (episodio 10 della stagione 8) permise alla serie stessa di sfruttare la popolarità raggiunta dall’attore. Qui Brad interpretò la parte di un ex compagno di liceo di Ross e Rachel (Jennifer Aniston) che ha un conto in sospeso con loro.

Amori, divorzi e Mr. & Mrs. Smith

Le riprese del film Mr. & Mrs. Smith sono iniziate il 21 giugno 2004 e si sono concluse il 15 dicembre 2004. Qui Pitt ha conosciuto l’attrice Angelina Jolie con il quale inizierà una relazione. Questo portò alla fine del matrimonio durato 5 anni tra Pitt e la Aniston. Infatti nel gennaio 2005 i due annunciarono la loro separazione e a dicembre dello stesso anno il divorzio.

Mr. & Mrs. Smith è un film del 2005 diretto da Doug Liman. Brad Pitt e Angelina Jolie interpretano rispettivamente John e Jane Smith. I coniugi Smith sono una coppia in crisi che confessano i loro problemi coniugali all’analista, omettendo però che entrambi sono delle spie che lavorano per agenzie rivali. Entrambi ignorano la doppia vita dell’altro, ma un giorno durante una missione i due coniugi finiscono per identificarsi. Le rispettive organizzazioni gli ordinano allora di eliminarsi a vicenda, ma il conflitto domestico a colpi di pistola non porterà altro che al rinnovato desiderio tra i due.

Il film che ha fatto incontrare e innamorare Angelina Jolie e Brad Pitt, soprannominati i Brangelina, è diventato un cult per essere stato il calcio di inizio della storia d’amore più bella di Hollywood degli ultimi vent’anni il cui finale però è stato drammatico con la separazione nel 2016.

La scena della sparatoria finale ha permesso a entrambi di vincere un MTV Movie Award per il miglior combattimento.

Il curioso caso di Benjamin Button

Il curioso caso di Benjamin Button è un film del 2008 diretto da David Fincher, basato sull’omonimo racconto breve del 1922 di Francis Scott Fitzgerald. La storia inizia nel 1860, anno di nascita del protagonista Benjamin Button. Il bambino nasce con l’aspetto di un anziano, e viene addirittura paragonato ad un ultraottantenne. Il padre Thomas Button, vergognatosi dell’aspetto inquietante del figlio, lo abbandona davanti ad una casa di riposo. Il bambino è, trovato da Queenie e Tizzy Weders che, nonostante siano disorientati dal suo aspetto, decidono di adottarlo. Il piccolo Benjamin, così chiamato dai nuovi genitori, trascorre la sua infanzia intrappolato nel corpo di un uomo anziano. La cosa strana che gli accade è che invece di crescere, più passa il tempo e più Benjamin ringiovanisce; egli è infatti, un uomo fuori dal comune che non riesce ad integrarsi con nessuna generazione.

L’interpretazione di Brad gli è valso il premio per i Critics’ Choice Movie Award e 3 nomination come miglior attore sia per gli Oscar sia per i Golden Globe.

Brad Pitt : Vi presento Joe Black

Susan (Claire Forlani) e La Morte (Brad Pitt) in una scena di Vi presento Joe Black. Fonte: Wired

Cosa succederebbe se sapeste tutto della vita e aveste raggiunto ogni soddisfazione dalla vita? Succede che arriva La Morte a voler conoscere il segreto della felicità. Questo è quello che succede a William “Bill” Parrish (interpretato da Anthony Hopkins), un magnate delle comunicazioni che viene avvicinato dalla Morte stessa. Ciò che ha permesso a questa entità di arrivare al mondo terreno è stato mettere fine alla vita di un uomo (interpretato da Brad Pitt) che si era innamorato della figlia di Bill, Susan, impossessandosi del suo corpo. Seppur la storia non lo dia a vedere, la narrazione ha note dolci e romantiche. Il rapporto tra La Morte e Susan che non sa cosa sia l’amore, permette a entrambi di collidere e conoscere un mondo che entrambi non avevano mai provato.

Questo film è valso a Brad una nomination ai Golden Globe e una al Saturn Ward, vincendo solo quest’ultima.

C’era una volta a… Hollywood

In questa ultima pellicola il nostro Brad non interpreta il protagonista, ma il suo migliore amico. Rick Dalton, interpretato da Leonardo Di Caprio, è un attore d’altri tempi e nel 1969 la sua carriera non riesce a decollare. Rick è grande amico del suo stuntman, Cliff Both (recitato dal nostro Brad) e anche lui non riesce a trovare lavoro dopo alcuni atti illeciti e i sospetti su di lui per la morte di sua moglie. In questo film di Quentin Tarantino la chimica tra Di Caprio e Pitt è stata elogiata dalla critica come “una presenza magnetica” quando si trovano insieme. Oltretutto la parte di Pitt riesce ad essere sia un punto di riferimento per il personaggio di Rick Dalton, ma anche l’artefice di alcune sue sventure. Riesce ad essere sia carismatico ma anche misteriosamente inquietante per la questione della moglie defunta. Per alcuni critici è sembrata la migliore interpretazione di Pitt in assoluto data la complessità del personaggio.

Questa interpretazione è valsa al nostro sex symbol il premio Oscar, il Golden Globe, il BAFTA e il Critics Choice Award come miglior attore non protagonista.

Per Brad Pitt i 60 sono i nuovi 20!

In questo articolo vi abbiamo riportato alcuni dei film più di successo dell’attore che hanno segnato la vita e la carriera dell’attore; se ne potrebbe parlare di molti altri, quali Fight Club di David Fincher o il più recente Babylon di Damien Chazelle. Ora però ci limiteremo ad omaggiare l’attore per i 60 anni che compirà questo 18 Dicembre. Ci auguriamo che anche in questa sua nuova fase della vita sappia stupirci con nuovi ruoli che vadano fuori dagli schemi del suo passato. Tanti auguri Brad!

Salvatore Donato,

Carmen Nicolino

Hunger Games e la distopica filosofia dell’Usignolo e del Serpente

Posted on 6 Dicembre 20234 Dicembre 2023 by Redazione Recensioni

Il prequel/spin-off del franchise diretto da Francis Lawrence è un ottimo motivo per farci tornare a Panem, in cui scopriremo le crudeli origini dei Giochi della Fame e del carismatico, e tutt’altro che “candido”, anti-eroe.

Il film è la trasposizione cinematografica del romanzo di Suzanne Collins pubblicato nel 2020, ed è ambientato durante i 10° Hunger Games.

Benvenuti ai 10° Hunger Games!

Il protagonista è un giovane Coriolanus Snow (colui che diventerà il temuto presidente di Panem): un giovane uomo, determinato a concludere gli studi per fare carriera e ripristinare il fascino del cognome di famiglia con il suo talento. Per questo, a soli 18 anni, non può rifiutare l’offerta di figurare come mentore di un tributo per gli Hunger Games. Il suo compito è di fare da mentore a Lucy Grey Baird, una ragazza povera del Distretto 12.

Nonostante i timori iniziali, Snow e Lucy Grey trovano un modo per affrontare l’arena, soprattutto quando la ragazza dimostra di avere una voce da usignolo.

Una storia d’amore senza lieto fine…

Coriolanus Snow (interpretato da Tom Blyth), a diciotto anni è già ingegnoso e astuto, ed il suo iniziale e genuino desiderio di riscatto, scaturito dal trauma per la perdita prematura di entrambi i genitori, si tramuterà ben presto in cieca ambizione.

Ben lontano dall’essere lo spietato presidente di Panem presentato nella saga principale, Snow mostra spesso le proprie vulnerabilità. Non è totalmente cattivo o spietato nel prequel, così come non è esattamente buono ed innocente. Ed è nelle sue sfumature di grigio che prende forma man mano quella personalità pericolosa che poi incontreremo nella saga principale.

Lucy Gray Baird (interpretata da Rachel Zegler) fa parte dei Covey, un gruppo di musicisti itineranti confinati nel 12 durante i Giorni Bui. Orfana di entrambi i genitori, si guadagna da vivere esibendosi sul palco. Dal carattere libero, frizzante e senza peli sulla lingua, Lucy Gray proprio grazie a queste sue caratteristiche riesce ad attirare su di sé l’attenzione e il favore del pubblico.

Tra i due protagonisti, nonostante le differenti origini, nascerà una storia d’amore non a lieto fine. Coriolanus che inizialmente reputava i giochi solo come una punizione per la passata ribellione, alla fine del film affermerà di aver finalmente capito a cosa servono veramente gli Hunger Games:

“La natura umana è intrinsecamente violenta e Capitol City è l’unica forza in grado di tenere a bada i distretti”.

Curiosità (distopiche) sul fenomeno mondiale Hunger Games

Suzanne Collins nel 2008 ispirandosi a George Orwell ed al suo distopico romanzo 1984, pubblica Hunger Games e ci catapulta per la prima volta a Panem, che altro non è che una versione moderna della orwelliana Oceania ed il set rappresenta, dunque, un futuro post apocalittico.

La Nazione è formata dalla ricca Capitol City e dai dodici distretti controllati dalla stessa Capitol (in origine erano 13, ma quest’ultimo è stato raso al suolo dopo la ribellione). Come suggerisce il titolo del romanzo, il tema chiave è la fame: intesa sia come libertà politica, sia come vera e propria fame, data la povertà di molti distretti.

In memoria di una passata ribellione dei Distretti, ogni anno la capitale organizza gli Hunger Games, un gioco trasmesso in tutte le tv nel quale due giovani per distretto, un ragazzo e una ragazza, vengono selezionati via sorteggio durante la mietitura, per affrontarsi brutalmente in un’arena iper tecnologica e piena di telecamere.

Negli Hunger Games è molto importante come i tributi vengano percepiti dal pubblico: più sono i favoriti e più riceveranno aiuti durante i combattimenti. Questo è ciò che ha dovuto fare Katniss Everdeen (distretto 12 come Lucy Gray), protagonista dei romanzi principali, per sopravvivere e vincere. Quest’ultima interpretata dalla bellissima e talentuosa Jennifer Lawrence.

E mentre Lucy Gray è una performer inserita in un campo di battaglia e costretta a diventare una cacciatrice per la sua sopravvivenza, Katniss è una cacciatrice inserita in un campo di battaglia, costretta a trasformarsi in una performer per la sua sopravvivenza.

In questo mondo la civiltà aliena le persone da ciò che dovrebbe essere reale e naturale, come la stessa Katniss aveva affermato:

“Distretto 12. Il miglior posto per morire di fame in tutta sicurezza”.

Gli Hunger Games visti da Jean Jacques Rousseau

Da Hunger Games ci si può ricollegare a Jean Jacques Rousseau e alla sua L’Origine della disuguaglianza (1755). Nell’opera, Rousseau riteneva che occorre risalire all’origine del tempo e della vita umana per capire l’uomo prima dell’avvento della civilizzazione umana e delle istituzioni che tanto hanno determinato la sua condotta. Ai suoi occhi il potere, la sopraffazione, l’egoismo, la guerra, appartengono al mondo civilizzato e sono sconosciuti all’uomo di natura.

In Hunger Games – La ballata dell’Usignolo e del Serpente, vediamo una versione più rudimentale dei giochi, con una tecnologia scarsa rispetto a quella della saga originale (basti pensare all’arena nella quale dovrà combattere Lucy Gray, molto più piccola e con meno astuzie tecnologiche di quella di Katniss).

Tuttavia, il film è pieno di suspense e di protagonisti affascinanti e coraggiosi che riescono a tenerci incollati allo schermo per tutta la durata del film.

Carmen Nicolino

Il grande Lebowski: il rilancio di un cult leggendario

Posted on 29 Novembre 202328 Ottobre 2024 by ASIA ORIGLIA 549819

Il grande Lebowski è esilarante e per certi versi grottesco. Voto UVM 5/5

Il grande Lebowski lo scorso 30 ottobre 2023 ha compiuto 25 anni, tornando al cinema nella versione restaurata in 4k, grazie alla Cineteca di Bologna con il suo progetto “Il cinema ritrovato”. Il film, diretto dai fratelli Coen (il ponte delle spie), arriva dopo il clamoroso successo di Fargo (1996, vincitore di due premi Oscar su sette nomination), che venne molto acclamato dalla critica. Considerato un grande classico degli anni ’90, da al pubblico una serie di motivi per guardarlo: cinico, divertente, demenziale e teatrale, ma soprattutto di successo. Il film, candidato sia all’European Film Awards nel 1998 che ai Nastri D’argento nel 1999, ha l’intento satirico di rappresentare la società americana nel periodo successivo alla sconfitta in Vietnam attraverso gli occhi del protagonista, “Drugo”.

Lebowski sono io

Grazie ai fratelli Coen, per 1h e 57 min abbiamo la possibilità di abbracciare lo stile di vita di Jeffrey Lebowski (Jeff Bridges), detto Drugo. Potrei tranquillamente essere io o voi lettori; pigro, svogliato e al tempo stesso ironico, che vive la sua vita in maniera abitudinaria e monotona. Lui è un hippie che gioca a bowling, beve white russian a colazione, pranzo e cena e parla del più e del meno con i suoi due amici, Walter (John Goodman) e Theodore (Steve Buscemi). Uno non riesce a comunicare col mondo, l’altro, reduce dal Vietnam crede di essere ebreo perché lo era anche la moglie.
Praticamente la tipica vita di un fuori sede che studia all’università.

Walter e Drugo in una scena del film © Working Title Films

Aladino e il Tappeto Magico

Drugo, per uno strano scherzo del destino, si ritrova in una vicenda ricca di avventure che lo coinvolgono dall’inizio alla fine. Il motivo? Un caso di omonimia con tanto di pipì sul suo tappeto e non uno qualunque a quanto pare; questo è proprio il casus belli del protagonista che sceglie di capirne di più sulla questione. Incoraggiato da Walter, Drugo incontra infatti il suo omonimo che poi sarebbe il suo opposto: miliardario e senza l’uso delle gambe.

Da qui, si può dire che inizia il viaggio demenziale dei due personaggi. Questi si ritrovano in una situazione assurda che assume paradossalmente, i tipici tratti del noir, ma senza essere preso troppo sul serio (tutto per un banalissimo tappeto e non solo!). Attorno a lui si presentano personaggi e situazioni surreali e iperboliche, nichilisti arrabbiati e una donna dai capelli rossi (Julianne Moore) che, amante del buon sesso, abbindola il protagonista.
L’atteggiamento di Drugo nei confronti delle varie vicende createsi nel corso del film, non sono altro che un chiaro manifesto di qualcosa che non c’è più. Drugo è arreso alla società corrotta e vive la sua vita assumendo un atteggiamento di indifferenza rispetto alle cose che ormai sembrano essere fondamentali.

il grande Lebowski — © Working Title Films

Convertiamoci al Dudeismo

Di fronte alla nostra strana condizione umana, apparentemente misera, la filosofia di Drugo propone come soluzione la tranquillità e il menefreghismo. Infatti, esalta la pigrizia e mette da parte le insoddisfazioni, in modo tale da vivere in armonia con la sua natura interiore, che è naturalmente anche nostra e con le sfide che ci riserva la vita.

Bevi anche tu un white russian e fai una partita a bowling con i tuoi amici, che male c’è? L’importante è non confondere tutto ciò con anarchismo poiché il dudeismo richiede a modo suo determinazione anche nella sua pigrizia paradossalmente. E poi, a dirla tutta, chiunque vorrebbe staccare la spina, non pensare ai soldi e preoccuparsi meno di ciò che lo circonda. Ecco, Drugo ci insegna a non essere ipocriti e a “prenderla con filosofia” ma senza fuggire dal problema.

Drugo voleva solo il suo tappeto. Nessuna avidità. È che dava un tono all’ambiente.

Asia Origlia

Napoleon: l’uomo oltre l’Imperatore

Posted on 27 Novembre 202328 Ottobre 2024 by MARCO CASTIGLIA 552078

La stagione invernale si è ufficialmente aperta! Ad accogliere calorosamente questo mese di novembre sono state infatti una lunga serie di grandi uscite nelle sale cinematografiche a cominciare col gran successo di Paola Cortellesi al suo esordio alla regia con C’è ancora domani a finire con uno straordinario Pierfrancesco Favino nei panni del messinese Salvatore Todaro in Comandante .E’ certamente il grande ritorno alla regia di Ridley Scott ad aver prodotto il titolo destinato ad essere tra i più attesi dell’anno. Di puro stampo storico e con decise pennellate dall’agro dolce sapore romanzato, Napoleon è riuscito perfettamente ad incollare gli occhi sullo schermo a migliaia di spettatori. Uscito nelle sale il 23 novembre, l’ascesa al potere e la caduta del grande Imperatore di Francia Napoleone Bonaparte non potevano essere riportati con una resa più epica.

Un tuffo nella vita dell’Impero napoleonico

Ci troviamo al capolinea della sanguinolenta Rivoluzione Francese e nel pieno dei tumulti che segnarono pesantemente il territorio francese un giovane uomo d’armi Napoleone Bonaparte, interpretato da uno straordinario Joaquin Phoenix, comincia intrepido la sua lenta scalata al potere che lo porterà nel 1804 a divenire il più potente Imperatore di Francia che la Storia ricordi.

Ciò che ha affascinato maggiormente il pubblico però, che già dal primo giorno ha affollato le sale, è stata certamente la resa scenica dell’opera filmica. Riesce perfettamente a catapultarci nel vivo di quell’atmosfera tanto frizzante quanto cupa della Rivoluzione Francese prima e dell’Impero napoleonico dopo. Ci consente di vivere un vero e proprio viaggio nel tempo, permettendoci di avere l’impressione di trovarci proprio lì, tra le strade affollate delle città francesi o nel boato delle grandi battaglie al fianco di Napoleone. Si tratta di un viaggio nel pieno di uno dei momenti più significativi che le pagine della Storia raccontano.

Ad aumentare il tenore delle suggestioni ci pensa anche la colonna sonora di Martin Phipps, con melodie che sono riuscite a pieno a incorniciare ogni momento del film e a renderlo profondamente emozionante e talvolta anche realmente epico. La componente scenografica è anch’essa riuscita a lasciare profondamente il segno, con la direzione di Arthur Max (già scenografo del capolavoro della regia di Scott Il gladiatore). Qui si presentano allo spettatore una serie di immagini che sono chiari e palesi riferimenti ai grandi dipinti degli innumerevoli artisti che nel tempo hanno immortalato la grandezza dell’Imperatore, primo tra tutti Jacques-Louis David.

Napoleone nella scena dell’incoronazione. Fonte: en-vols.com

L’animo intimo dell’Imperatore

Come in ogni biopic che si rispetti, il cuore pulsante del film non sta tanto nel racconto di un uomo che “è uscito dal nulla per governare tutto” come lo stesso Ridley Scott affermerà. Il vero fulcro non sta nella storia della sua ascesa al potere o della sua caduta, sta bensì nello scoprire chi era l’uomo oltre l’Imperatore e dunque spiare il lato più intimo della sua vita: le ansie, le paure, le ambizioni, ma soprattutto il suo più grande amore, Giuseppina di Beauharnais, l’unica donna che Napoleone amò davvero. È così dunque che l’uomo Napoleone viene rappresentato, mostrandoci anche e soprattutto la sua sensibilità ed emotività, rendendoci testimoni oculari dei momenti più bui e burrascosi della sua vita.

Imprecisioni e mancanze tra Storia e Romanzo

È certamente risaputo che, quando si parla di film di stampo storico, l’aggiunta di una componente romanzata sia necessaria per puntare a raccontare qualcosa di nuovo in merito al periodo o alla figura di cui si intende parlare. Nessun buon film di stampo storico sarà mai dunque incentrato esclusivamente sulle vicende storiche avvenute e qui ci troviamo di fronte all’ennesimo esempio di eccellente film di stampo storico. Ciononostante la critica si è seriamente divisa e gli storici non hanno esitato a storcere il naso.

Il giovane Napoleone in una scena del film — Napoleone in una scena del film. Fonte: 42mag.fr

E’ da riconoscere che il film presenti qualche notevole imprecisione a livello storico così come qualche mancanza. Il film ci mostra con estrema fedeltà il legame che Napoleone aveva con i suoi cavalli che traspare già dalle prime scene di battagli. Ci racconta minuziosamente le Campagne Napoleoniche o le grandi battaglie, dalla gloriosa Austerlitz alla tragedia della spedizione a Mosca e dell’ultimo scontro a Waterloo. Ci vengono mostrati i personaggi che sono entrati nella vita dell’Imperatore: riconosciamo Maximilien de Robespierre e addirittura lo stesso pittore Jacques-Louis David nel momento in cui lo sta per immortalare in uno dei suoi dipinti.

Parlando di imprecisioni, prima tra tutte è la più totale trascuratezza dell’Italia dal contesto delle Campagne Napoleoniche. Si tratta di una grande défaillance considerando che la figura di Napoleone in Italia fu ben nota per aver portato molte novità soprattutto nel campo dell’istruzione.

Altro dato che gli storici non sono riusciti a digerire è stata la totale assenza della figura di Paolina Bonaparte, sorella dell’Imperatore alla quale egli, sembra sia sempre stato molto legato. Ultimo fattore è la presenza di un uomo d’arme di colore, inserito nel contesto filmico per questioni di inclusività: purtroppo una scelta incoerente con il periodo storico che il film racconta.

L’amore tra Napoleone e Giuseppina

Parte della critica negativa si è poi spostata sull’evidente grande calibro che è stato dato all’interno delle vicende filmiche alla situazione sentimentale tra Napoleone e la sua Giuseppina, certamente giustificato non solo dalla necessità di una componente romanzata, ma anche dalla straordinaria esigenza di mostrare il lato più intimo dell’Imperatore. Ad ogni modo è effettivamente da riconoscere che, la trama sentimentale che funge da romanzo rischia notevolmente di sopraffare tutta la componente storica.

Napoleone incita la sua Grande Armata in una scena del film. Fonte: sonypictures.ca

Un personaggio illustre raccontato da un film illustre

Inutile negare il fatto che ci troviamo di fronte ad un grande film che lascerà senza alcun dubbio il segno, che ha portato per la prima volta una produzione Apple Studios sul grande schermo. Un film evento lavorato con cura e dedizione da un Ridley Scott che si dichiarerà da sempre profondamente attratto dalla figura di Napoleone. Ciò l’ha spinto alla realizzazione di un film tanto lungo quanto scorrevole, che racconta di una delle più iconiche e illustri figure che la Storia ricordi e che dunque, nonostante tutto, merita assolutamente di essere visto!

Marco Castiglia

Comandante, il nuovo successo di Pierfrancesco Favino

Posted on 24 Novembre 202324 Novembre 2023 by Redazione Recensioni

Comandante è un film italiano del 2023 diretto da Edoardo De Angelis. È stato presentato in anteprima alla 80° Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia ed è stato anche il film d’apertura del Festival. L’attore protagonista è Pierfrancesco Favino.

Comandante: trama

Il film si svolge nel 1940, durante la Seconda Guerra Mondiale. Il protagonista è Salvatore Todaro, un uomo nato a Messina nel 1908 e comandante del sommergibile Cappellini. Durante una missione, il sommergibile viene attaccato dai Belgi, ma Todaro e i suoi uomini rispondono al fuoco ed affondano la nave. Dopo la battaglia, Todaro decide di salvare i naufraghi e di portarli in salvo. Per lui, la legge del mare è più importante della legge della guerra.

Il miglior film di Edoardo De Angelis?

Più che il miglior film, è più giusto dire che uno dei pilastri più importanti della carriera di Edoardo De Angelis: è senza dubbio il film più ambizioso che abbia mai fatto. La regia qui è piuttosto ben strutturata e le inquadrature mettono a fuoco i vari step della missione di Todaro.

Quando si parla di biopic, si tende sempre a romanzare la vicenda ma ciò che conta non è la vicenda raccontata, ma il modus operandi adottato per la narrazione. Spesso, ci si prende anche una leggera libertà ed a mostrare una visione autoriale, ma Comandante ha un comparto tecnico ben consolidato e permette di raggiungere lo scopo del regista.

Lo stile adottato consiste in un ritmo un po’ prolisso, che non arriva subito ad un punto ben preciso. La lentezza percepita è “necessaria” perché l’obiettivo è quello di coinvolgere lo spettatore e fargli capire bene la psicologia di Todaro e tutte le sfumature della missione, all’interno del sommergibile Cappellini. De Angelis chiede pazienza ed infatti, il vero fulcro della storia emerge durante la seconda parte del film, dopo aver presentato adeguatamente il protagonista e la missione che sta sostenendo.

Tutto questo è accompagnato da una fotografia straordinaria: mette a fuoco le varie situazioni, sia all’interno che all’esterno del sommergibile, con uno stile pittoresco. Nel cercare qualche difetto nel film, si possono notare alcuni stereotipi mostrati.

Comandante è un film di propaganda?

Oltre a raccontare le gesta di Salvatore Todaro e capire la sua psicologia, Comandante ha anche un altro scopo. Il movente di Comandante è piuttosto chiaro, ma non è forzato perché arriva al momento giusto e senza risultare ingombrante. Anzi, questo è uno dei casi piuttosto contestualizzati e piano piano il messaggio arriva per colpire lo spettatore in un punto preciso, mentre si ritrova coinvolto, insieme ai personaggi, nella missione.

Il film racconta una storia vera per mostrare la rivendicazione del valore del soccorso e portare ad una riflessione su una tematica piuttosto attuale ed abbastanza dibattuta. La visione del film può portare a vedere la tematica del soccorso in mare da un’altra angolazione. Todaro è la storia giusta, perché qui viene presentato come un uomo che vive un dissidio interno, tra il mantenimento di certi principi politici e l’essere un uomo di valori, pronto ad aiutare il prossimo. Oltre tutto, è stato interpretato da un fantastico Pierfrancesco Favino.

Favino ha fatto centro ?

«Una volta c’erano i ruoli, per gli attori. Adesso li fa tutti Favino» diceva l’attore Martellone – sconsolato – nella serie tv «Boris».

C’è della verità forse in questa frase satirica, però il fatto che Favino sia quasi ovunque (quest’anno si è già visto ne L’Ultima Notte Di Amore ed ora a Dicembre, sarà presente anche in Adagio) non nasconde il fatto che sia un bravissimo attore. Sì, Favino è bravo, ma bravo ad alti livelli ed è difficile che ne sbagli una. Basta pensare ad alcuni ruoli iconici della sua carriera (Il Traditore, Nostalgia, L’Ultima Notte Di Amore, Hammamet, Gli Anni Più Belli, Corro Da Te) in cui ha avuto modo di interpretare personaggi di ogni tipo ed ogni volta dimostra di essere perfettamente capaci di ricoprire qualsiasi ruolo.

In Comandante interpreta un uomo che va contro certi principi, per abbracciare poi il valore più importante. Ricorda che, al di là di tutto, lui è pur sempre un uomo e lo sono anche i naufraghi e i suoi nemici.

Giorgio Maria Aloi

Loki 2 è davvero la perfetta redenzione del “Dio dell’Inganno”?

Posted on 17 Novembre 202316 Novembre 2023 by DOMENICO LEONELLO 514397

Loki è una serie TV ideata da Michael Waldron e prodotta dai Marvel Studios. Dopo una prima stagione distribuita su Disney Plus qualche anno fa, è arrivata di recente una seconda parte. La nuova stagione fa parte della Fase 5 del Marvel Cinematic Universe (MCU) ed è composta da sei episodi, come la prima.

Nel cast ritroviamo Tom Hiddleston, Owen Wilson, Sophia Di Martino, Jonathan Majors, KeHuyQuan.

Loki 2: dove eravamo rimasti?

La serie riprende esattamente da dove si era interrotta la prima stagione: il multiverso ha subito delle conseguenze non indifferenti a causa dell’uccisione di “Colui Che Rimane”.

Loki (Tom Hiddleston), il Dio dell’Inganno, ormai diventato un agente della TVA (Time Variance Authority) scopre di aver sviluppato una condizione che lo porta ad essere sbalzato senza controllo, tra passato, presente e futuro.

All’interno della TVA si creano dei dissidi e il multiverso va sempre più verso il caos. Loki è determinato a sistemare le cose e farà tutto il possibile, con l’aiuto di Mobius (Owen Wilson), Ouroborus (Ke Huy Quan), Sylvie (Sophia Di Martino) e Victor Timely (Jonathan Majors), quest’ultimo una variante buona di “Colui Che Rimane”.

Un altro prodotto Marvel privo di qualità?

Purtroppo si sa, ormai la qualità dei prodotti realizzati dai Marvel Studios si è abbassata e non poco. Se ne sono accorti tutti, anche i più distratti. Ma perché è successo questo?

Dopo Avengers: Endgame hanno voluto continuare a sfornare film (attenzione, nessuno sta dicendo che dovevano fermarsi, ma semplicemente continuare come prima) ed ora, con la collaborazione di Disney+, anche serie TV. L’aumento eccessivo della quantità di prodotti ha causato delle ripercussioni non indifferenti sulla qualità e ci sono state anche delle azioni consequenziali, come la “stanchezza” degli spettatori o addirittura la critica eccessiva di questi ultimi.

Non c’è più lo stesso hype di prima e questo ha portato anche un po’ di diffidenza nei confronti della Marvel per via degli ultimi prodotti un po’ discutibili (ed ora ci si aspetta il peggio).

E’ comprensibile questo o si è un po’ prevenuti? Ni. Perché la totale diffidenza potrebbe anche portare a perdersi un possibile prodotto che si distingue da altri e non si deve MAI fare di tutta l’erba un fascio. Uno o due prodotti sbagliati non devono condannare l’intero genere. Si pensi alla seconda stagione di Loki, questa potrebbe davvero fare la differenza!

Loki 2: ne vale la pena?

Perdersi la seconda stagione di Loki perché i prodotti Marvel precedenti non sono stati il massimo sarebbe un peccato. Era da un po’ di tempo che una serie del Marvel Cinematic Universe non regalava soddisfazioni.

Attenzione! Non è la miglior serie Marvel e lungi dall’essere perfetta. Ha dei difetti evidenti, come qualche problema di scrittura, un ritmo galoppante che porta allo sviluppo della trama orizzontale in maniera lenta, tanto da occupare alcuni spazi che hanno rallentato lo sviluppo della stessa, ed una gestione di qualche personaggio non eccellente.

Però ha anche molti pregi, come una regia curata, una buona colonna sonora ed una recitazione dignitosa di molti attori. Loki 2 è la seconda parte perfetta della storia vista un paio di anni fa, che aveva convinto già da allora, e che chiude perfettamente il cerchio. Anzi, forse è anche qualche passo avanti rispetto alla prima stagione, con l’approfondimento e la crescita personale di ogni personaggio ed una redenzione da parte dello stesso Loki.

Il personaggio di Loki funziona?

Il fratellastro di Thor ha sempre funzionato, sin dal suo debutto nel MCU. Inizialmente presentato come fratello invidioso e come il villain desideroso di un trono, con un’immensa sete di potere.

Dopo essere stato una spina nel fianco sia per Thor che per gli Avengers, Loki ha finalmente avuto una sua avventura dove ha trovato uno scopo ed una crescita interiore piuttosto elevata. Ed ormai sono lontani i tempi in cui era solo l’imprevedibile Dio dell’Inganno.

Nella serie, Hiddleston spicca su tutti ed interpreta un Loki che ha avuto la sua redenzione totale, con un arco narrativo piuttosto lineare e che arriva ad un punto ben preciso, con dei riferimenti alla mitologia norrena.
È giusto che la serie si sia conclusa qui, con un finale di stagione perfetto che chiude sia il cerchio della storia che il destino di Loki.

Quale sarà il futuro del MCU?

Nonostante si sappiano i titoli dei prossimi progetti, non si sa di preciso cosa ci riserverà l’MCU per i prossimi anni. Possiamo fare delle supposizioni su dove vogliano arrivare, visto il concetto di Multiverso che stanno esplorando con gli ultimi prodotti (anche se non proprio nel migliore dei modi).

Ed è proprio questo il problema: il modus operandi confuso.

Dopo il finale di Loki 2, forse c’è una mezza apertura alla direzione che sta prendendo l’MCU, però non c’è ancora un filo conduttore che racchiuda tutti gli elementi del multiverso mostrati fino ad ora. Vedremo in futuro (forse)!

Giorgio Maria Aloi