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Top Gun: Maverick è un film vecchio

Posted on 6 Marzo 20236 Marzo 2023 by Redazione Recensioni

Gli sceneggiatori di Top Gun: Maverick pensavano che fossimo ancora negli anni ’80, infatti quasi ogni cosa fa a botte col nostro secolo. Bocciato, anche se le scene d’azione fanno il loro dovere. Voto UVM: 2/5

Top Gun: Maverick, prodotto dall’attore protagonista Tom Cruise e diretto da Joseph Kosinski (Tron Legacy, Oblivion, Spiderhead), è riuscito ad ottenere alcune candidature all’Oscar nella sua 95° Edizione: Miglior Film, Miglior Sceneggiatura non originale, Migliori Effetti Speciali e Miglior Sonoro. Ma saranno davvero meritate queste candidature?

Faccio un po’ come mi va!

La narrazione parte ripescando il protagonista del precedente film. Pete “Maverick” Mitchell (Tom Cruise), adesso Capitano di vascello della Marina degli USA, grazie alla sua esperienza ha assunto il ruolo di tester di nuovi mezzi aerei. Al momento di mettere alla prova un mezzo a grandi altezze e velocità ipersoniche, arriva il contrammiraglio Chester “Hammer” Cain (Ed Harris) con l’intenzione di smantellare l’equipè di ricerca che ha sostenuto Maverick e indirizzare le ricerche sui droni da guerra. Per evitare questo, Maverick ha l’occasione di agire contro le decisioni dall’alto e prova un lancio ad alta velocità con il velivolo “DarkStar”. Durante il volo il capitano provoca un danno al mezzo a causa della mania di superare i suoi limiti. Dopo questa sua ennesima subordinazione, il controammiraglio vorrebbe congedarlo ma è costretto a mandarlo alla Top Gun sotto richiesta del comandate della Flotta del Pacifico.

Nepotismo: l’America sa cos’è

Nonostante si tratti dell’incipit del film, già da qui si notano i primi scricchiolii della sceneggiatura. Infatti, il nostro protagonista ha dimostrato di non essere cresciuto durante la sua carriera trentennale da pilota. Sembra che il suo caratteraccio non gli abbia permesso di progredire nel mondo della Marina. Dall’altra parte però non è stato congedato dal suo ruolo, poiché il suo ex rivale e amico, Tom “Iceman” Kazansky (interpretato da un provato Val Kilmer), ha raggiunto la posizione di comandante della Flotta. Solo grazie ad Iceman a coprirgli le le spalle, il protagonista non è stato costretto a cambiare i suoi atteggiamenti. Nemmeno i suoi tormenti sono però cambiati, nonostante gli anni trascorsi.

*Frame del trailer Top Gun: Maverick. Casa di produzione: Paramount Pictures, Skydance Media, Jerry Bruckheimer Films, TC Productions.*

I fantasmi che non vanno via

Nonostante il trauma di Maverick fosse già stato abbondantemente affrontato nel primo Top Gun, anche in questa storia viene di nuovo ripreso il senso di colpa del pilota nei confronti del grande amico e collega Nick “Goose” Bradshaw, morto in seguito ad una manovra pericolosa eseguita istintivamente dal nostro protagonista durante un volo in coppia. A rinnovare il suo trauma è l’incontro con il figlio di Goose, Bradley “Rooster” Bradshaw (Miles Teller), il quale lo detesta per avergli fatto ritardare di 4 anni l’iscrizione all’accademia della Marina. È qui che il minutaggio della pellicola viene inutilmente allungato presentando scene della morte di Goose, i bei ricordi di quando era ancora vivo e le inquadrature che si perdono continuamente su fotografie di Maverick che ritraggono il suo passato.

Top Gun: Boomer edition

È proprio il passato che rovina il tutto, o meglio, il film non ha altro da offrire se non il passato. A parte qualche spunto su quanto sia importante l’istinto di un pilota, che non può competere in molti casi con la freddezza calcolatrice di una Intelligenza Artificiale, non c’è assolutamente nulla di nuovo. La storia è una copia carbone della narrazione del primo film e non c’è alcuna evoluzione nei personaggi. Per giunta la trama non ci prova nemmeno, poiché in più occasioni si ritrova a far partire sotto trame che conclude in maniera molto superficiale.

Love story: perchè?

Tra i vari filoni della trama vi è anche l’immancabile love story tra il protagonista e una qualsiasi donna pescata dal nulla che si sostituisce all’amata che avevamo conosciuto nel prequel. Penny (Jennifer Connelly) è una barista che lavora in un locale vicino alla scuola Top Gun. Dalle conversazioni che ha col nostro capitano di vascello scopriamo che hanno già avuto una storia amorosa finita male. Qui il regista coglie l’occasione per rimuginare sul passato di Maverick e “devolvere” anche quest’aspetto della narrazione. Come finisce questa parte della trama non possiamo anticiparvelo, ma credo sia alquanto scontato!

Largo ai giovani, ma non troppo

Ci sono tante cose che abbiamo tollerato con difficoltà: l’attacco allo Stato avversario identificato dalla NATO chiamato “Stato canaglia”, la solita retorica americana che ci viene cantata da 50 anni a questa parte, le scene riprese pare pare dal primo capitolo. Fra queste, però, c’è un aspetto che le supera tutte: l’uso delle figure giovanili come unico espediente della trama. Chiarisco questo punto: Maverick viene chiamato alla Top Gun per addestrare i 16 migliori piloti della scuola per una missione impossibile da portare a termine. Ciò che fa la narrazione non è altro che creare tensione attorno a questa missione, ma di fatti i già “migliori piloti” non hanno nulla da imparare, perché appunto sono i migliori; al massimo possono limitarsi a fare un ripasso di retorica americana.

In conclusione

Anziché soffermarsi sui tanto amato anni ’80, sarebbe stato interessante un approfondimento sulla preparazione psicologica dei giovani piloti in missioni così tanto importanti, creare spunti di riflessione di questi nei confronti di una guerra fantasma, creare storie concludenti per i personaggi del passato e, magari, lasciare aperto “il sipario” per le generazioni future. Possiamo dire che Top Gun: Maverick si mostra un’opera tipicamente Hollywoodiana che mette in mostra i muscoli dei suoi attori e dei migliori effetti speciali, ma in sostanza non è altro che un prodotto commerciale che mira alla nostalgia del suo pubblico, discostandosi di poco dai tanto odiati cinecomic!

Salvatore Donato

Waiting for Oscar 2023: Gli Spiriti dell’Isola

Posted on 3 Marzo 20233 Marzo 2023 by Redazione Recensioni

*Gli spiriti dell’isola, fa entrare lo spettatore, quasi senza che egli se ne renda conto, nel microcosmo dell’isola e spinge alla riflessione. – Voto UVM: 4/5*

Presentato alla mostra del cinema di Venezia nel settembre 2022 e distribuito nelle sale italiane dallo scorso due febbraio, Gli spiriti dell’isola è una delle pellicole che sembra emergere maggiormente alla cerimonia degli Oscar 2023. Il film conta ben nove candidature, tra cui miglior film, miglior regia, miglior attore protagonista a Colin Farrell, miglior attrice non protagonista a Kerry Condon e molti altri!

Gli spiriti dell’isola è ambientata sulla fittizia isoletta di Inisherin a occidente delle coste irlandesi. Poche case, un Pub dove gli isolani sono soliti trascorrere l’interminabile tempo libero, un sacerdote che approda sull’isola soltanto la domenica, un unico altero poliziotto e uno scemo del villaggio.
La regia è di Martin Mc Donagh (Tre manifesti ad Ebbing, Missouri), già vincitore di tre Laurence Awards. Samuel Beckett è il suo mentore, e proprio l’assurdo farà da padrone nel film.

Gli spiriti dell’isola: trama

Il lungometraggio ruota attorno alla frattura di due amici fraterni, Padriac, interpretato dal quantomai espressivo Colin Farrell (Animali fantastici e dove trovarli) e Colm, Brendan Gleeso, passato agli onori per il ruolo di Malocchio Moody nella saga di Harry Potter.

Entrambi di mezza età, il primo pastore e il secondo violinista, vivono da sempre sull’isola. D’improvviso il corpulento Colm decide di rompere l’amicizia con il “gentile” (così definito da tutti) Padriac. All’apparenza senza una ragione, spinto dall’insistente richiesta di una spiegazione l’uomo rivela di volersi dedicare alla musica, non vuole più passare i suoi ultimi anni a chiacchierare di cose vuote, inutili e noiose. A riguardo Colm riferisce di avere preso questa decisione dopo avere ascoltato il racconto di ciò che Padriac aveva trovato nelle feci della sua asinella. L’altro tenta in vari goffi modi a ricucire lo strappo, ma Colm minaccia l’amputazione di un dito per ogni volta che gli verrà rivolta la parola.

Corre l’anno 1923 e sulla “terraferma” (così tutti i personaggi definiscono l’Irlanda) infuria una guerra civile tra lo Stato Libero che accetta un compromesso con l’Inghilterra e coloro che vogliono la totale indipendenza della Nazione. L’esistenza degli abitanti dell’isola è privilegiata direbbero alcuni, perché non è affatto toccata dalle brutture di una guerra fratricida. Di tanto in tanto qualcuno sente i colpi di artiglieria che scuotono la pace monotona dell’isoletta.

Colm e Padriac: amici nemici

Intorno ai due uomini, ne Gli spiriti dell’isola sono presenti vari personaggi. Tra questi si ricordano alcuni avventori del Pub i quali fungono da silenzioso coro greco, che giudica con sguardi e atteggiamenti le azioni di Colm e Padriac. Una figura interessante è il poliziotto, un uomo violento con il figlio e autoritario, insieme a Dominic, il figlio di quest’ultimo, animo innocente visto come lo scemo del villaggio, vittima delle violenze e dei trastulli del padre.

L’irragionevole litigio tra i due sconquassa gli equilibri dell’isola ed è metafora dell’irragionevolezza dei conflitti familiari, dei ben più gravi conflitti fra fazioni o Nazioni.

Altro ruolo importante è rivestito dagli animali, in particolare il cane di Colm e l’asinella di Padriac. Compagni e testimoni delle vicende dei due rispecchiano alcune sfaccettature dei due uomini, entrambi animali fedeli e innocenti, l’asino rispecchia anche la testardaggine del padrone nel voler fare pace con l’amico. Il cane potrebbe rappresentare anche il lato in qualche modo avventuriero di Colm, che vorrebbe lasciare traccia di sé attraverso una sua composizione.

Due sono le figure femminili dell’isola, la pettegola negoziante e l’anziana e inquietante incarnazione delle Banshee. Quest’ultima, ingobbita, si aggira sull’isola predicendo sempre oscuri presagi e, per questo, viene derisa o evitata.

Un’amicizia “focosa”

E’ in un climax sempre più intenso che Gli spiriti dell’isola svela la vita su Inisherin. L’automutilazione di Colm, il quale lancerà le dita tagliate contro la porta dell’ormai ex amico è immagine dell’odio insensato che genera piccole e grandi contese. Altro aspetto focale è la morte dell’asina per via di una di queste dita. Ciò scatenerà la folle reazione di Padraic che arriverà a dare fuoco alla casa di Colm augurando a quest’ultimo di morire tra le fiamme, chiedendo però di lasciare il cane fuori dalla porta.

La minaccia del gesto avviene davanti a tutti al Pub, persino dinanzi allo stesso poliziotto, dipinto dallo stesso Padraic come un molestatore. Si perde ogni raziocinio e autocontrollo. Il pastore andrà davvero a bruciare la casa, di domenica alle due del pomeriggio come aveva annunciato.

Gli spiriti dell’isola come una tragedia greca

Il film da un inizio più umoristico si trasforma in un dramma grottesco che ricorda molto una tragedia greca: l’assurdità simbolica dell’automutilazione la caparbietà di Colm, simile a quella del Creonte Sofocleo, la guerra fratricida che getta nel caos l’isola.

Altro punto importante è che il film racconta l’amicizia, una delle tre forme d’amore per gli antichi greci. Padriac è quasi geloso come un innamorato nel vedere altri ridere e scherzare con Colm, vede addirittura preferire la compagnia del violento poliziotto alla sua. La solitudine di Padriac lo porterà a dialogare con Dominic, lo scemo del villaggio, addirittura ad ospitarlo a casa e a denunciare davanti a tutti gli abusi del padre. Il povero ragazzo, vistosi rifiutato da lui si suiciderà. Proprio la vecchia banshee troverà il suo cadavere e lo riferirà al padre che, come un antagonista tragico, vedrà cadere su di sé il peso terribile delle sue azioni.

Gli spiriti dell’isola, pellicola prima umoristica e poi sempre più cupa, fa entrare lo spettatore, quasi senza che egli se ne renda conto, nel microcosmo dell’isola e spinge alla riflessione. Del resto, lo scopo delle antiche tragedie era incentivare la riflessione ed educare. Due obiettivi mirabilmente raggiunti da McDonagh.

Marco Prestipino

Tár: tra l’abuso di potere e la musica classica

Posted on 1 Marzo 20231 Marzo 2023 by Redazione Recensioni

Tár è un film del 2022 (qui in Italia, è arrivato lo scorso 9 Febbraio) scritto e diretto da Todd Field. Il film ha ottenuto ben 6 Candidature agli Oscar 2023 (Miglior Film, Miglior Regia, Miglior Attrice Protagonista, Miglior Sceneggiatura Originale, Miglior Montaggio e Migliore Fotografia).

L’attrice protagonista è Cate Blanchett, e questo ruolo le ha già garantito tre vittorie: una al Festival di Venezia (Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile); un’altra ai Golden Globe (Miglior attrice in un film drammatico) e un’altra ai BAFTA (Miglior attrice). Blanchett ha anche ottenuto una candidatura come Miglior Attrice Protagonista.

Trama

Tár racconta la storia di Lydia Tár (Cate Blanchett), un’affermata direttrice d’orchestra omosessuale ed una delle più grandi compositrici di musica classica conosciute in tutto il mondo. E’ anche la prima donna a dirigere l’orchestra dei Berliner Philharmoniker (o Orchestra filarmonica di Berlino). Lydia si ritrova al centro di molte polemiche per via del suo abuso di potere e per via di strane voci, in cui affermano che chiede dei “favori” sessuali ad alcune dipendenti. E le voci si fanno sempre più forti, nel momento in cui avviene il suicidio di una sua assistente e per via di questo fatto, cominciano a circolare anche delle prove compromettenti.

Film longevi o “sequestro di persona”?

Che non si fraintenda la domanda, perché è una semplice osservazione che si riscontra ultimamente, al cinema. Erroneamente, si pensa che una lunga durata equivalga a “Capolavoro”. Perché si afferma ciò? Perché si tende ad allungare il minutaggio di alcune pellicole in una maniera un po’ esagerata in certe occasioni, senza considerare il fatto che non garantisce necessariamente il successo. Attenzione, “Tár” è una pellicola interessante e merita una visione, però considerando ciò che si voleva rappresentare, poteva benissimo durare un po’ di meno.

Un difetto riscontrato nel film è la lentezza percepita in alcuni punti. Questo è successo anche in altre pellicole come Babylon di Damien Chazelle o Avatar – La Via Dell’Acqua di James Cameron. Film coinvolgenti con una buona spettacolarità e fatti per gli amanti del cinema, ma con una durata leggermente eccessiva. Molti spettatori si sentono “sequestrati” ed addirittura si sono annoiati. Bisogna cercare di migliorare alcuni aspetti e puntare di più sulla qualità, che sulla quantità di minuti!

Ma cosa rappresenta esattamente il film?

Tanto per cominciare, non è una storia vera. Lydia Tár non è mai esistita, ma si vocifera che una direttrice d’orchestra abbia avuto una vita possibilmente simile e che abbia caratteristici simili a quelle di Lydia. La figura di quest’ultima rappresenta l’abuso di potere e la continua ossessione per la musica classica, tanto da non dormirci la notte. Lydia qui è all’apice della sua carriera e non vuole che tutto crolli, quindi ad un tratto la si vede perdere il controllo e a sentire la pressione sulle presunti voci che girano sul suo conto. Come si deduce da ciò, Cate Blanchett non ha interpretato un ruolo facile, ma è riuscita a calarsi in esso, abbracciando tutte le sfumature.

Tár è anche la rappresentazione del contrasto che c’è tra l’ammirazione e il risentimento, tra il bisogno d’attenzione e il desiderio di vendetta, tra l’amore e l’odio. Non si sa cosa provare nel vederla, se un po’ di empatia o addirittura disgusto per alcuni comportamenti che attua. Field, inoltre, ha voluto rappresentare con la figura di Lydia anche l’equilibrio tra la vita professionale e quella privata di un artista che, in alcuni momenti, va a perdersi.

Tár è un buon film?

Nonostante l’eccessiva durata e la presenza di alcune scene non necessarie, Tár è un film che merita una visione; realizzato, soprattutto, per gli appassionati di musica classica. Potrebbe non vincere la statuetta come Miglior Film, ma è comunque un buon film. Todd Field ha dichiarato esplicitamente:

“Questa sceneggiatura è stata scritta per un’artista: Cate Blanchett. Se avesse rifiutato, il film non avrebbe mai visto la luce”.

Effettivamente, considerando l’eleganza e la classe dell’attrice, forse nessun’altra avrebbe potuto fare di meglio. Il film può vantare di una buona regia e di una performance eccezionale da parte dell’attrice protagonista.

Cate Blanchett vincerà l’Oscar?

Si è già aggiudicata diversi premi e bisogna riconoscere che sono meritati. E per quanto riguarda l’Oscar si presuppone che abbia la vittoria assicurata. Una cosa, però, che non si dovrebbe dare tanto per scontata!

Ma con tutto il rispetto per le altre candidate che sono state bravissime nei loro ruoli (Ana De Armas per Blonde, Michelle Williams per The Fabelmans o Michelle Yeoh per Everything Everywhere All at Once), la Blanchett è un passo avanti e il ruolo che ha interpretato in Tár è stata una macchia importante per il suo curriculum. Ha buone possibilità di vittoria.

Attendiamo la Notte Degli Oscar 2023 per vedere cosa accadrà.

Giorgio Maria Aloi

You 4 – parte 1: l’attesa è finita!

Posted on 17 Febbraio 202317 Febbraio 2023 by Redazione Recensioni

*Tra critica sociale e un omaggio al giallo classico, la serie assume nuove sfaccettature. Nonostante ciò, risulta forse essere troppo poco realistica e coinvolgente. Voto UVM: 3/5*

A più di un anno di distanza dall’uscita della terza stagione, debutta ufficialmente su Netflix un nuovo ciclo di episodi di You, la serie TV thriller a sfondo psicologico ispirata all’omonimo romanzo e al suo seguito Hidden Bodies, scritti da Caroline Kepnes.

Creata da Greg Berlanti e Sera Gamble, la serie statunitense narra le vicissitudini di Joe Goldberg, un uomo all’apparenza schivo e riservato, che fa dell’ interesse per le donne di cui si invaghisce un attaccamento morboso, a tal punto da tramutarsi in uno stalker assassino, e sfogare la propria personalità maniacale in un romanticismo che sfocia in vera e propria ossessione, tormento e violenza.

Il protagonista, interpretato da Penn Badgley (Dan Humphrey in Gossip Girl), ritorna sul piccolo schermo con una quarta stagione divisa in due parti, di cui la prima già disponibile sulla piattaforma di streaming dal 9 febbraio 2023. Anche questa volta, il controverso personaggio di Joe si ritroverà a dover fare i conti con gli spettri del passato, verrà coinvolto in una serie di situazioni criminali, dalle quali avrebbe invece preferito stare alla larga.

Nuova ambientazione, vecchie abitudini

Dopo aver chiuso tragicamente il capitolo del suo disastroso matrimonio con Love (Victoria Pedretti), Joe Goldberg è pronto a ricostruirsi una nuova vita e lasciarsi la California alle spalle. Si trasferisce a Londra, sotto la falsa identità di Jonathan Moore, nei panni di un professore di letteratura di uno dei college più prestigiosi di Oxford. Qui, per mezzo del collega e vicino di casa Malcolm (Stephen Hagan), il protagonista viene catapultato all’interno di una cerchia di membri dell’alta società inglese, composta da una serie di personaggi estremamente sopra le righe. Questi si abbandonano ad una vita fatta di lusso, eccessi e ricchezze: una realtà molto lontana da quella a cui era abituato il nostro Joe.

Centrali per lo sviluppo della trama sono quindi i legami che Joe– alias Jonathan– instaurerà con queste figure, che incarnano la corruzione ed i peggiori vizi della società odierna. Tra quelle più rilevanti vi sono quella di Kate (Charlotte Ritchie), gallerista figlia di una top model; Simon (Aidan Cheng), l’apatico artista figlio di un miliardario; Gemma (Eve Austin), anche lei ereditiera, e Lady Phoebe Borehall-Blaxworth (Tilly Keeper), una svampita socialite.

Sembrerebbe quindi che non vi sia spazio per una nuova ossessione amorosa in questa storia. Ma nonostante il setting inedito, e la volontà di auto-redimersi del protagonista, persino questa volta Joe finirà per agire secondo il solito schema ben preciso: una donna dal passato tormentato come il suo istigherà in lui la necessità di riuscire a proteggerla. Si tratta però dello stesso istinto protettivo che lo condurrà a ripetere i medesimi errori commessi nelle stagioni precedenti, attribuendo così alla serie un andamento a tratti prevedibile e ripetitivo.

You: da killer a vittima

In questa quarta stagione, senza stravolgere la logica della serie, che continua ad essere narrata attraverso i dialoghi interiori del protagonista, gli autori sembrano voler mostrare Joe sotto una luce differente, proponendo una nuova formula in cui la componente del thriller psicologico si intreccia a quella del genere giallo della letteratura.

Viene infatti rivelato che vi è un altro assassino in giro per Londra, che prende di mira i ricchi, un “Eat The Rich Killer”, che cerca di incastrare Joe per i propri crimini commessi, mettendo a dura prova il contegno della natura omicida di quest’ultimo.

Si scoprirà che il misterioso assassino si cela proprio dietro il volto di uno dei personaggi che si muovono attorno al protagonista. E così, colui che finora si era comportato da angosciante stalker e serial killer, si ritrova invece a rivestire i panni di un detective alle prese con l’intreccio di un giallo tutto da risolvere. Intanto il nemico, episodio dopo episodio, uccide una ad una le figure dell’élite, con una dinamica simile a quella che avviene all’interno del celebre romanzo “And Then There Were None” di Agatha Christie.

*Frame della serie televisiva You 4. Fonte: Netflix.*

Cosa non convince?

Nonostante il tentativo di cambiare rotta e ridare una nuova immagine alla serie, il lento ritmo dei primi episodi rischia di non essere in grado di catturare nell’immediato l’attenzione dello spettatore, e persino il cliffhanger che lascia sospesa metà stagione non riesce ad ottenere il forte impatto sperato.

Inoltre, sebbene volutamente resi oltremodo eccentrici ed irritanti per offrire un’adeguata critica sociale alla parte di popolazione che possiede enormi poteri e ricchezze, i dialoghi e comportamenti dei personaggi finiscono forse per farsi troppo improbabili e sfociare nell’inverosimile.

Ma la particolarità di You sta anche nella capacità di riuscire a sorprenderci con un plot twist inaspettato, e pertanto non è da escludere la possibilità di un finale di stagione di gran lunga più avvincente ed intrigante. Non ci resta quindi che pazientare ed attendere fino al 9 Marzo 2023, data di uscita di You 4 – Parte 2. Intanto, qui il trailer della seconda parte della serie, che lascia presagire il ritorno inatteso di un noto personaggio. Da guardare solo una volta dopo aver visto la parte I!

Giulia Giaimo

Sylvia Plath: la voce nella tormenta

Posted on 10 Febbraio 202319 Marzo 2025 by GAETANO ASPA

Sono passati sessant’anni dalla tragica morte della poetessa dall’anima di cristallo, Sylvia Plath, divenuta simbolo di ribellione femminista e pilastro della cultura letteraria americana.

Addentriamoci e ripercorriamo la vita, la poetica e l’arte del genio Plath, rendendo omaggio alla bell’anima senza tempo che continuerà a farci riflettere ed emozionare con i suoi scritti.

Io sono, io sono, io sono…

La poetessa di Boston nasce in un distretto della città da genitori immigrati tedeschi il 27 ottobre 1932. Dal talento precoce, pubblica la sua prima poesia a soli 8 anni, anno in cui perde il padre a causa delle complicazioni dovute al diabete diagnosticato tardi. Questo lutto segnerà l’anima della piccola Sylvia, che in futuro scriverà proprio una poesia dedicata al padre, caricandola di tutto l’odio e dolore che questa perdita comportò per lei.

Papà, ammazzarti avrei dovuto, Tirasti le cuoia prima che ci riuscissi.

Continuò a cercare di far pubblicare le sue poesie, riuscendo ad ottenere un successo marginale, in questo periodo cominciano i suoi gravi disturbi depressivi che l’accompagneranno per tutta la sua vita. Nel 1950, entra a studiare allo Smith College ma, al penultimo anno della sua carriera universitaria, tenta per la prima volta il suicidio. Questa esperienza verrà raccontata nel suo romanzo semi-autobiografico, La campana di Vetro (1963).

Mi sentivo inerte e vuota come deve sentirsi l’occhio del ciclone: in mezzo al vortice ma trainata passivamente

Dopo il tentato suicidio venne ricoverata presso l’istituto psichiatrico Mclean Hospital, dove incontrò la psichiatra che la seguirà per tutta la vita, la dott.ssa Beuscher. Successivamente ottenne una borsa di studio Fullbright per l’università di Cambridge (Inghilterra).

Ogni donna adora un fascista

Fu proprio a Cambridge che conobbe il suo futuro marito, il poeta inglese Ted Hughes, la cui burrascosa storia venne raccontata nei Diari. Dopo gli studi, la giovane coppia visse per due anni negli Stati Uniti, dove la Plath insegnò allo Smith College. Fare l’insegnante le assorbiva tempo ed energie, tanto da non lasciarle il tempo per scrivere, che era la vera ed unica aspirazione di Sylvia.

Voglio scrivere perché sento il bisogno di eccellere in uno dei mezzi di interpretazione ed espressione della vita

Abbandonato il posto da insegnante, optò per un lavoro part-time come receptionist nel reparto psichiatrico del Massachusetts General Hospital. Questa esperienza la portò a scrivere uno dei suoi racconti più famosi, “Johnny Panic and The Bible of Dreams” Ritornati a Boston, la Plath partecipò ai seminari di scrittura creativa di Robert Lowell, che ebbe una profonda influenza sul suo stile e conobbe quella che fu la sua più grande eterna amica/rivale Anne Sexton.

*Sylvia Plath e il marito Ted Hughes. Fonte: pangea.news*

Io sono nevrotica all’ennesima potenza

Alla fine degli anni ’50, visse per un breve periodo alla famosa colonia per artisti Yaddo, in cui Sylvia iniziò a far uscire la sua vera voce poetica, scrivendo molte poesie che verranno contenute nella sua prima raccolta, Il Colosso (1960). Rimasta incinta, tornarono a Londra, luogo dove nacque la prima figlia Frieda Rebecca.

Altra data che comincia a segnare il definitivo declino della Plath, è il febbraio 1961. In seguito all’ennesimo episodio di violenza da parte del marito, subisce un aborto spontaneo, come la stessa Sylvia scrisse in una lettera al suo terapista e come verrà raccontato in più poesie. I coniugi si trasferiscono in campagna ma dopo la fine della relazione con Hughes, la Plath torna a Londra. In queste breve felice periodo, scrive innumerevoli poesie e completa la sua seconda raccolta, Ariel, pubblicata postuma e alterata dal marito nel 1965.

Solo nel 2004, la figlia diede alle stampe la versione originale.

Morire è un’arte, come ogni altra cosa… Ammetterete che ho la vocazione

La mancanza di soldi, la solitudine e la salute cagionevole dei figli spesso malati, segnarono la sua veloce ricaduta nell’oblio della depressione. Si consumò l’ultimo ed estremo gesto della tragica vita di Sylvia Plath. Dopo aver sigillato porte e finestre della cucina, inserì la testa nel forno a gas, lasciandosi morire.

Sylvia aveva lasciato pronta la colazione per i suoi bambini, aveva lasciato la loro finestra aperta, aveva lasciato un biglietto con scritto il numero di telefono del medico e le parole: “Per favore chiamate il dottor Horder”. Questi segni portarono molti studiosi ad affermare che la Plath non aveva intenzione di uccidersi, ma era solo un’estrema richiesta di aiuto, purtroppo mal riuscita.

Sylvia Plath: la voce nella tormenta — *Sylvia Plath sorridente al lago. Fonte: eroicafenice.com*

Cosa ci resta di Sylvia Plath?

Ridurre Sylvia Plath a mero simbolo di angoscia femminile e leggere le sue opere solo nell’ottica della sofferenza, significa relegarla ancora una volta a tutti quei canoni che ella tentava di fuggire.

I suoi scritti parlano forte e chiaro, di lei e di chiunque riesca ad immedesimarsi nei suoi personaggi, creandosi e ricreandosi infinite volte. La sua grande capacità di raccontarsi attraverso alter-ego mitici capaci di trascendere il tempo e lo spazio, portando il suo immaginario letterario in moltissime direzioni. Scriveva e sapeva scrivere, a prescindere dalla sua biografia, dall’esperienza dei disturbi mentali e dal suo vissuto di donna.

Sylvia Plath, ancora oggi, viene spesso semplificata sotto la lente ottica della disinformazione e della discriminazione sui temi sociali della malattia mentale e di genere. Eppure, ella è una figura ambivalente, simbolo di ribellione femminile dalla potente scrittura immaginifica, che la rende impossibile da definire in un solo senso. Sylvia Plath era insieme rabbia e rassegnazione, impossibilità e movimento, morte e sopravvivenza. Nonostante le numerose limitazioni che dovette subire durante tutta la sua vita, in quanto donna affetta da disturbi mentali, non l’hanno fermata da raccontarci svariati mondi i cui limiti non esistono.

Forse è proprio questa la sua più grande eredità che ci ha lasciato e che non siamo pronti ad accogliere.

Gaetano Aspa

La vita bugiarda degli adulti: una realtà spigolosa ma vera

Posted on 23 Gennaio 202322 Gennaio 2023 by Redazione Recensioni

*Un dramma di formazione. Una realtà dura, cruda e vera quella raccontata dalla serie tv. Una sola pecca: il ritmo dei primi due episodi che rallenta di poco l’iniziale coinvolgimento. Voto UVM: 4/5*

Tra dolci bugie e amare verità! È finalmente disponibile dal 4 gennaio la nuova serie italiana originale Netflix, tratta dall’omonimo romanzo di Elena Ferrante: La vita bugiarda degli adulti. Dopo il successo della fiction L’amica geniale, un’altra opera della scrittrice, senza volto e identità, viene adattata al piccolo schermo.

La serie è suddivisa in sei episodi, ognuno di essi tratta una particolare tematica: la bellezza, la somiglianza, l’amarezza, la solitudine, l’amore e la verità. La regia del talentuoso Edoardo De Angelis e la sceneggiatura di Francesco Piccolo e Laura Paolucci, ci conducono in un’esperienza visiva più vicina alla realtà che alla finzione.

Un po’ come se fosse un racconto di formazione, la serie mette in risalto quel particolare passaggio dall’infanzia all’adolescenza di una ragazza ribelle come Giovanna Trada (Giordana Marengo), in una Napoli tutta anni ‘90. È continuo il confronto generazionale, tra fedeltà e tradimento, tra saggezza e ignoranza, tra ricchezza e povertà, tra ribellione e accondiscendenza. Il rapporto è perfettamente rappresentato da Giovanna e dalla zia Vittoria (Valeria Golino): figure diverse all’apparenza ma che in fondo si dimostreranno più simili del previsto.

La trama: da un’infanzia ovattata ad un’adolescenza rivelatrice

Quando si è piccoli tutto ci sembra grande. Quando si è grandi tutto ci sembra piccolo, quasi privo di senso!

Questa è una frase “mantra” della serie, ripetutamente proposta come a circostanziare le prospettive sfalsate dell’età. A pronunciarla è la protagonista tredicenne, Giovanna, nata e cresciuta nella “Napoli bene” (a Vomero, una zona ricca della città). Capelli corti, occhi penetranti e un look da vera ribelle: Giovanna è soltanto un’adolescente alla ricerca della propria identità.

Andrea e Nella sono i genitori, entrambi docenti di liceo. Il padre, interpretato da Alessandro Preziosi è un uomo colto, di sinistra, una persona ben costruita ma poco leale. La madre, Nella (Pina Turco), oltre ad essere insegnante, per arrotondare fa la traduttrice di romanzi stranieri. Follemente innamorata del marito, con la figlia è una madre attenta e comprensiva. Ma non accetterà poi il rapporto che quest’ultima instaurerà con la zia, vedendola come una minaccia per i successi di Andrea.

*Uno scatto con alcuni personaggi della serie. Fonte: TvBlogo.* *Casa di produzione: Fandango. Distributore ufficiale: Netflix.*

Il passaggio adolescenziale farà calare il rendimento scolastico di Giovanna che inizierà sempre più a prendere le sembianze di sua zia Vittoria. Infatti, proprio nell’incipit sia del romanzo che della serie, Giovanna sente il padre dire

si sta facendo la faccia di Vittoria…

Quest’ultima, sorella di Andrea, ha il volto censurato in tutte le foto di famiglia. È da sempre stata la zia innominabile, quella di cui la famiglia Trada non parla da anni. Mai conosciuta da Giovanna poiché rappresenta una figura “scomoda” per loro.

È proprio questa nube di mistero nei confronti della zia che incuriosisce Giovanna. Entrambe si incontrano, per concessione del padre, una domenica mattina in un quartiere malfamato della Napoli dei rioni (Poggioreale). Da quell’incontro Vittoria accompagnerà la nipote in un viaggio introspettivo, tra luci ed ombre, tra i primi amori e le prime esperienze sessuali: un nodo da dover sciogliere. In un mondo fatto di maschere, sarà proprio lei a rivelarle “la vita bugiarda degli adulti”.

Una città dai due volti: è una storia già vista, già sentita?

Da una parte una Napoli alta, borghese e costruita, dall’altra una Napoli bassa, malfamata ma vera. Sono due facce di una stessa medaglia che influenzeranno il percorso della protagonista. Napoli è una città dell’anima, anzi come direbbe la pungente Vittoria:

dell’anima ‘e chi v’è muorto

Per gli amanti della Ferrante si sa bene che molte tematiche e luoghi cari alla scrittrice, riecheggiano anche qui: il disagio adolescenziale, tra inquietudini e difficoltà; la condizione femminile, alla ricerca di un’identità da donna matura; la marginalità urbana, e il problema delle condizioni sociali.

La serie ci ricorda un racconto di formazione napoletana breve e coinciso ma simile, per alcune sfaccettature, al precedente successo internazionale, L’amica geniale, con la regia di Daniele Lucchetti. La timeline lega di certo i due racconti che convivono nello stesso emisfero, nonostante abbiano una linea temporale diversa. L’ambientazione, i colori, le musiche, la vita nei rioni forse ci potrebbero riportare all’epoca di Lila e Lenù. Anche la stessa zia Vittoria, col suo modo di fare e il suo linguaggio dialettale, ci ricorda un po’ con minore tragicità la Lila più matura dell’ultima stagione de L’amica geniale.

*Il primo incontro tra Giovanna e la zia Vittoria. Casa di produzione: Fandango. Distributore ufficiale: Netflix.*

Per l’atmosfera, i luoghi, i personaggi ci starebbe anche un paragone con l’opera di Paolo Sorrentino È stata la mano di Dio, candidata agli Oscar e distribuita sempre da Netflix. Tra adolescenti che scorrazzano sempre in motorino con cuffiette in testa e borghesi benestanti che si dichiarano comunisti.

La vita bugiarda degli adulti: non è una copia ma una realtà ribaltata!

Nonostante tutto il tono dato al romanzo e, alla serie, è allo stesso tempo diverso da delle possibili copie. Come ha affermato il regista De Angelis, in conferenza stampa a Roma:

In questa storia Elena Ferrante gioca con il paradosso della realtà sistematicamente ribaltata o aberrata, seguendo la sola regola del proprio interesse. Nel vortice melmoso di adulti ossessionati dall’autorappresentazione di se stessi come giusti, onesti, sinceri. Giovanna scopre che la vita è sporca, puzza e certe volte è pure brutta.

Le bugie, come ben sappiamo, a forza di essere raccontate possono diventare verità. Queste menzogne truccate sono spesso alla base dei rapporti sociali, sia in famiglia che fuori. In fondo tutti, grandi e piccoli, abbiamo la necessità di dover crescere, sbagliare, imparare e riprovare. Questa storia vuole mettere in evidenza proprio questo!

Anche se non sei un* “Ferrante Fever” sono sicura che questa serie potrebbe contagiarti! Fai play, cosa aspetti? Ecco a te il trailer ufficiale.

Marta Ferrato

Guè ritorna con Madreperla

Posted on 20 Gennaio 202314 Settembre 2024 by Redazione Recensioni

*Il miglior album di Guè, in cui il rapper si mette a nudo, mostrandoci le sue fragilità e le sue paure- Voto UVM: 5/5*

Il re è tornato! Guè, dopo tredici mesi dal precedente album Guesus, è ritornato sulle scene col suo decimo lavoro da solista: Madreperla. Definito già da molti critici musicali come come uno dei migliori album dell’ex membro dei Club Dogo.

Guè non ha bisogno di presentazioni, essendo uno dei migliori artisti presenti al momento sulla scena musicale italiana, che con i suoi testi “accattivanti” ci porta dentro al suo mondo. Il rapper milanese con la sua arte ogni volta ci fa vedere una nuova parte di sè.

Un disco che non si lega ai canoni del consumismo e al mondo dei social. Quello di Guè è un lavoro autentico, un inno per generazioni. Madrepaerla, prodotto da Bassi Maestro non può che essere una certezza! Ormai i due lavorano insieme da anni; sono una coppia che funziona, come possiamo ascoltare in questo ultimo capolavoro.

“Dal punto di vista artistico, passionale e culturale è perfetto. Ci siamo divertiti tantissimo a farlo, non abbiamo avuto limiti e ci siamo espressi al meglio in quanto cultori della cosa. Ci fa sentire molto 2003, è un disco super hip hop che però non vuole essere una martellata sull’anima. È fatto da due pro, io mi sono misurato finalmente con quello che volevo”. (Guè su Madreperla)

Il rapper milanese Guè (Cosimo Fini). Fonte: lecconotizie.

Dentro l’album

Nel bar luci gialle, Blade Runner
Sono quasi alla tua bocca, a due spanne
Mentre ti parlo, ti guardo, ti mordi il labbro

Un ritorno stile old school, in cui Guè ci regala 12 tracce, tra cui sette featuring con nove grandi artisti, da Napoleone a Paky, che hanno fatto letteralmente impazzire il mondo dei social. Specialmente quello con Anna & Sfera Ebbasta in COOKIES N’ CREAM, pezzo interessante e coinvolgente.

PREFISSI
TUTA MAPHIA (feat. Paky)
MI HAI CAPITO O NO?
COOKIES N’ CREAM (feat. Anna & Sfera Ebbasta)
NEED U 2NITE (feat. Massimo Pericolo)
LÉON (THE PROFESSIONAL)
FREE (feat. Marracash & Rkomi)
MOLLAMI PT.2
LONTANO DAI GUAI (feat. Mahmood)
CHIUDI GLI OCCHI (co-prodotto da Shablo)
DA 1K IN SU (feat. Benny The Butcher)
CAPA TOSTA (feat. Napoleone)

Traccia dopo traccia, Guè ci porta in un mondo diverso e ogni canzone ha la capacità di catturare a pieno l’ascoltatore. Testi interessanti che spaziano dall’amore alla solitudine. Non c’è alcun bisogno di mettere in pausa o di saltare da una traccia all’altra: mettetevi comodi, andate a correre, prendete la macchina o fate una passeggiata e ascoltate l’album tutto d’un fiato. In meno di 40 minuti, Cosimo Fini (questo il vero nome di Guè) ci regala 12 storie diverse fra di loro. Uno dei brani più interessanti è Lontano da Guai, con la voce unica di Mahoomod. Probabilmente una delle canzoni più intime dell’album! Qua, il rapper si confessa, mostrandoci tutte le sue debolezze: l’amore per sua figlia e il dolore per la scomparsa del padre.

Non te la prendere se ti ho messo in attesa
Continui a credere, sia la solita scusa
Lontano dal cash, dai guai
Non fare mai lo sbaglio di buttare anni

Il lancio di Madreperla

Nessuno si sarebbe aspettato questa nuova chicca da parte del rapper milanese. Immaginate di entrare sui social e di trovare un video in cui il mitico Jerry Calà, che interpreta il direttore di un hotel, accompagna noi “utenti” su e giù all’interno del residence. Nelle corso del video possiamo intravedere i personaggi più importanti della scena rap italiana che faranno parte di Madreperla, e ultimo ma non meno importante si arriva a Guè. Un modo simpatico e originale per annunciare il nuovo album, diventato subito virale in pochissime ore.

La copertina dell’album

Se le canzoni sono un capolavoro, per la copertina Guè non ce l’ha proprio fatta. Nella cover vediamo il re del rap dentro la galleria di Milano. Lui al centro col suo solito sguardo beffardo che da sempre lo contraddistingue e dietro due ragazze con vestiti succinti, pronte a soddisfare ogni bisogno del loro “pappone”. Una copertina che non ha niente a che fare con l’arte a differenza della cover di Flop, disco di Salmo. Quest’ultima ritrae niente di meno che l’opera de L’angelo Caduto del pittore francese Alexander Cabanel.

Nonostante ciò, Guè non ci ha delusi e con Madreperla ha scritto una lettera d’amore per tutti noi e per i suoi cari.

Alessia Orsa

Aftersun: l’impronta indelebile dei ricordi

Posted on 18 Gennaio 202314 Settembre 2024 by Redazione Recensioni

Un tenero e commovente dramma padre-figlia, che rimanda al tema doloroso della caducità degli attimi e del peso emotivo dei ricordi. Voto UVM: 5/5

Quella della fotografia è un’arte che ha il potere di immortalare degli istanti speciali della nostra vita e di fissarli nel tempo, per riuscire a testimoniare ciò che siamo stati e le esperienze importanti che abbiamo vissuto. Ripensare a momenti passati osservandone le foto, significa quindi poterne rivivere emozioni, colori e profumi, ed essere in grado di raccontarli anche a chi non li ha sperimentati in modo diretto.

E’ questo il concetto da cui parte la realizzazione di Aftersun, il recente film d’esordio della regista e sceneggiatrice scozzese Charlotte Wells, disponibile in Italia dal 5 gennaio sulla piattaforma di streaming Mubi e in alcuni cinema selezionati.

Ritrovata una sua vecchia foto scattata da bambina, durante una vacanza estiva con il padre, l’autrice ne trae ispirazione per dar vita al suo primo lungometraggio, presentato alla 75ª edizione del Festival di Cannes, e vincitore del Premio della Giuria French Touch.

La trama

Fatta eccezione per alcuni flashforward, la storia è ambientata in Turchia, in un’estate di fine anni ’90. La piccola ma perspicace Sophie (interpretata da un’esordiente Francesca Corio) parte da Edimburgo per trascorrere due settimane in compagnia del giovane padre separato Calum (interpretato da Paul Mescal, volto già noto per il ruolo nella celebre miniserie Normal People) in un piccolo resort turco di bassa qualità. Sin dai primi minuti della pellicola è evidente che il loro è un rapporto di complicità: i due prendono il sole, si tuffano in piscina e si divertono a giocare insieme a biliardo. Da un lato vi è un’undicenne dall’indole curiosa e vivace, sempre alla ricerca dell’approvazione del padre. Dall’altro un ragazzo appena trentunenne, dal temperamento molto più pacato e riservato, ma che cerca comunque a modo suo di adempiere all’importante e complicato ruolo di genitore.

Ma la struttura narrativa del film fa si che i personaggi si svelino lentamente da soli, e a poco a poco, senza forzare il ritmo, diventa sempre più chiaro il fatto che dietro il personaggio di Calum, in realtà, si celi un animo inquieto e malinconico, in preda a dei tormenti interiori dai quali prova a fuggire in silenzio, cercando rifugio nel rapporto con la figlia, con la quale sembra però non riuscire ad esprimere appieno le proprie emozioni.

La significativa raccolta di memorie

Le vicende dei giorni in Turchia sono documentate da Sophie attraverso una Handycam DV Sony, una videocamera digitale alla quale la bambina mostra sempre i suoi occhi sorridenti, mentre Calum viene spesso ripreso da una certa distanza, attraverso un vetro, sfuggente, o di spalle (come per simboleggiare la sua incapacità di essere decifrato).

L’intero film quindi sovrappone di continuo due piani narrativi: i filmini della vacanza e le scene vere e proprie, che rappresentano la ricostruzione di Sophie di quei momenti con suo padre. I nastri su cui registra l’intero soggiorno, le serviranno infatti da adulta, per poter rievocare tutte le sensazioni provate in quel periodo particolarmente sereno della sua infanzia, che purtroppo non tornerà mai più. Ma soprattutto, per quanto doloroso possa essere scavare tra i ricordi, questi la aiuteranno a trovare in essi molto più di quanto potesse cogliere in precedenza, e a comprendere meglio i motivi dietro i misteriosi comportamenti del padre.

Un film dalla forte carica emotiva

Aftersun è un ritratto autentico e potente del rapporto tra genitori e figli, reso possibile grazie alla giovane rivelazione Francesca Corio e la strepitosa interpretazione di Paul Mescal, nei panni di una figura purtroppo mai abbastanza rappresentata: quella di un padre premuroso, ma al tempo stesso fragile ed insicuro, continuamente in lotta con sè stesso.

Tra le sequenze più toccanti ed emblematiche del film, una delle scene finali, in cui i due protagonisti, padre e figlia, si consumano in un tenero abbraccio danzando sulle note di Under Pressure dei Queen e David Bowie, canzone che rispecchia alla perfezione le battaglie “invisibili” affrontate da Calum, e l’ultimo ricordo di Sophie di quella parte della sua vita ormai passata.

This is our last danceThis is ourselves

Under pressure

Attraverso la tenera ma straziante storia del rapporto tra un padre e sua figlia, Aftersun è quindi un film che dimostra pienamente quanto la memoria possa rappresentare per noi un forte alleato, dal potere curativo, ed al contempo un terribile nemico, brutalmente doloroso. Vi sono infatti, nella vita di ognuno di noi, momenti che vorremmo non finissero mai. E quando purtroppo questi svaniscono, spesso ciò che rimane è soltanto la triste consapevolezza che non verranno mai più vissuti.

Giulia Giaimo

Ginny&Georgia 2: tra dramedy e mystery crime

Posted on 16 Gennaio 202316 Gennaio 2023 by Redazione Recensioni

A distanza di quasi due anni dalla prima stagione, debutta sulla piattaforma Netflix la seconda stagione di Ginny&Georgia a partire dal 5 Gennaio 2023.

La serie ideata da Sarah Lampert narra le vicende di una ragazza madre, Georgia e della figlia, Ginny. Composta anche dal figlio minore, Austin, la loro è una famiglia decisamente “sui generis”. I tre, infatti, nascondono molti scheletri nell’armadio potenzialmente pronti ad uscire allo scoperto.

La serie TV di dieci episodi, della durata di un’ora ciascuno, scandisce i ritmi delle dinamiche dell’esuberante Georgia Miller (Brianne Nicole Howey) e dell’adolescente sedicenne Ginny Miller (Antonia Gentry) che prova a confrontarsi con i primi amori adolescenziali, con le prime delusioni ma soprattutto con l’ansia e la preoccupazione per alcuni segreti della madre.

Ginny&Georgia / Tutto quello che c’è da sapere

Non è tutto oro ciò che luccica e questo, la serie, lo conferma pienamente episodio dopo episodio. La bella e dannata Georgia, che agli occhi dei telespettatori appare perfetta e sensuale come una Barbie, in realtà nasconde una personalità altalenante e non sempre forte. Complice sicuramente l’essere ragazza-madre e l’aver tentato di proteggere la figlia in ogni modo possibile ed immaginabile. Bella e carismatica, è riuscita a convolare a nozze con il sindaco di Wellsubry. Ma come reagirà Paul (Scott Porter) di fronte ai segreti taciuti dalla futura moglie? Basterà l’amore a superare le divergenze morali?

Ginny, invece, ha da sempre sofferto il carattere gioioso, socievole e carismatico della madre. Lei, da sempre più matura e saggia di Georgia, è decisamente più introversa e i suoi unici obiettivi adolescenziali sono quelli di costruire legami duraturi nel tempo. Non sempre, infatti, ha avuto la possibilità di farlo, a causa dei continue fughe organizzate da Georgia per scappare da tutto e tutti nei momenti di difficoltà. Nonostante ami alla follia la madre, vorrebbe che fosse più sincera con lei e che smettesse sempre di proteggerla. Ma l’amore di un genitore si sa, a volte, è cieco.

Ginny&Georgia — *Ginny & Georgia: rispettivamente interpretate da Antonia Gentry e Brianne Howey. Distribuzione: Netflix. Fonte: CinemaSerieTV.it*

G&G / Il genere della serie e le tematiche

La serie, che dal dramedy si sposta al mystery crime, affronta tematiche importanti, tutt’altro che leggere, e fondamentali soprattutto per i giovani in età adolescenziale. G&G parla dell’importanza di ricercare di se stessi, del proprio orientamento sessuale e delle varie disabilità, come il mutismo. Un certo rilievo assumono anche argomentazioni più delicate come l’autolesionismo, la terapia, le malattie terminali e la figura, potremmo dire “salvifica”, dello psicologo.

Fanno da contorno alle dinamiche-madre figlia di Ginny&Georgia, oltre al fratellastro Austin (Diesel La Torraca), che a soli nove anni dimostra piena consapevolezza e maturità, anche i due ex uomini di Georgia. Il padre di Ginny, Zion, alle prese con una relazione dopo moltissimi anni di viaggi di lavoro. Ma non è finita qui, poiché a metà stagione, a complicare equilibri già del tutto precari ci penserà Gil Timmins, il padre biologico di Austin, interpretato da Aaron Ashmore.

Ad aiutare Ginny a superare giornate difficili ci saranno le amiche Maxine (Sara Waisglass) ed Abby, l’amore di Marcus (Felix Mallard) e il sostegno di Joe (Raymond Ablack), il suo datore di lavoro.

l plot twist del finale di stagione

Senza fare nessun spoiler, il finale di stagione di Ginny&Georgia lascia presagire, stando anche alle parole dell’ideatrice Sarah Lampert una terza stagione, che indicativamente potrebbe debuttare sempre su Netflix a fine 2024. Nella prima settimana di gennaio la serie statunitense è entrata di diritto nella classifica globale con 180,47 milioni di ore visualizzate, diventando così il titolo più visto sulla piattaforma del 2023.

Le domande alle quali ancora non sussiste una risposta sono molte. L’amore trionferà? Come proseguirà la storia d’amore tra Marcus e Ginny? La verità verrà a galla? Cosa ne sarà di Ginny e Austin?
Tutte domande che, con moltissima probabilità, troveranno risposta nella terza e (forse) ultima stagione.

Ti ho convinto a guardarla? Se non l’hai ancora vista e sei arrivat* fin qui, cosa aspetti? Ecco il trailer!

Giorgia Fichera

The Pale Blue Eye – I delitti di West Point

Posted on 13 Gennaio 202313 Gennaio 2023 by Redazione Recensioni

Anno nuovo uscite nuove! Il catalogo Netflix si arricchisce di una nuova pellicola uscita nelle sale americane e disponibile in streaming dal 6 gennaio di quest’anno.

Stiamo parlando della tanto attesa pellicola The Pale Blue Eye – I delitti di West Point, diretta da Scott Cooper e adattamento dell’omonimo romanzo del 2003 scritto da Louis Bayard. Un cast stellare e un co-protagonista davvero gigantesco, ma basterà tutto questo a rendere questo film eccezionale? Scopriamolo insieme!

The Plot

Il film ha come protagonista il detective August Landor (interpretato dallo straordinario Christian Bale), un uomo dal carattere schivo e misterioso, ma dalle grandi abilità che lo portano ad essere scelto dagli alti ranghi dell’accademia militare di West Point, nel 1830, per risolvere uno strano delitto. Spinto dal suo talento e da metodi al di fuori dall’ordinario, si muove alla ricerca della verità, scontrandosi però con la scarsa collaborazione della stessa accademia.

In suo aiuto arriva un giovane quanto brillante cadetto Edgar Allan Poe (Harry Melling) che si rivela un preziosissimo compagno di indagini, dimostrando lo stesso tormento interiore e uno spiccato amore per gli enigmi quasi al suo pari.

Gli omicidi continuano e s’intrecciano, il mistero va via via infittendosi, portando lo spettatore ad arrovellarsi il cervello per indovinare il colpevole e soprattutto, cosa spinga l’omicida a commettere tali delitti. Il duo comincia quindi un’intricata caccia all’assassino, portandoli ad affrontare insieme i propri drammi personali e la perenne sensazione di essere costantemente emarginati da tutto e tutti.

(Trailer italiano di The Pale Blue Eye – I Delitti di West Point)

Edgar Allan Poe può bastare a salvare tutto?

Il film si presenta con l’intenzione di essere un giallo intellettuale (a tratti ci riesce pure) dai toni noir, con ambientazioni gotiche e dai tratti più psicologici che visivi.

Il primo, alla base di tutto, è un grande e grosso, oserei dire gigantesco problema.

Ovviamente, il problema, è lo stesso Edgar Allan Poe (ormai infilato ovunque a caso, basti vedere la recente serie Mercoledì): la presenza del leggendario scrittore, porta a scemare ogni tensione sul suo destino, sgonfiando, e di non di poco, il potenziale lato thriller della vicenda che, come ogni film degno di questo genere, dovrebbe portare lo spettatore a viverlo tra stati di tensione, angoscia e paranoia. L’effetto finale della presenza del personaggio di Poe riduce la pellicola a mero giochino intellettuale, all’interpretazione degli indizi attraverso lunghi e barbosissimi dialoghi tra lui e Landor.

Il secondo problema è presentato dall’intreccio narrativo scialbo e meccanico (molto lontano dai film d’eccellenza come La vera storia di Jack Lo Squartatore – From Hell del 2001 diretto dai fratelli Hughes), che non concede nemmeno il tempo per approfondire emotivamente altri personaggi oltre i due protagonisti che, anche loro, restano come appena sommersi nelle profondità della psiche.

*August Landor (Christian Bale e Edgar Allan Poe (Harry Melling) in una scena del film. Distribuzione: Netflix*

Tra regista atipico e cast stellare

Il film vede il ritorno di una coppia scoppiettante Scott Cooper e Christian Bale, che già avevano lavorato insieme con il western Hostiles e il thriller Il Fuoco della vendetta.

Cooper è uno dei registi più atipici del panorama moderno, da sempre interessato a parlarci della lotta dell’individuo contro sé stesso, in una produzione dominata dalla sensazione di isolamento, del tutto scevra da ogni ottimismo ma soprattutto una visione della società come dittatura della ferocia e della prepotenza.

Christian Bale si dimostra uno degli attori più versatili, passando nella sua lunga carriera da personaggi dalla personalità e dalla psiche turbata (come in American Psyco e L’uomo senza sonno) a diventare l’eroe di cui Gotham ha bisogno (la trilogia di Batman di C. Nolan). Anche in questo film nulla da dire, con Bale si va sul sicuro.

Vera rivelazione è Harry Melling (il cugino Dudley di Harry Potter per capirci) che dà il volto a Edgar Allan Poe e lo fa bene, incarnando gli albori dell’inquietudine che saranno il motore della produzione di Poe.

Il resto del cast è ricchissimo e soprattutto affollato, con gente del calibro di Gillian Anderson, Charlotte Gainsbourg o Toby Jones che devono sgomitare per farsi notare.

Spettacolare è la fotografia di Masanobu Takayanagi, ben curata dal punto di vista estetico attraverso una rievocazione storica di un certo spessore, ma anche elegante e forte, che tende a valorizzare l’intima regia di Cooper.

Conclusioni

Più che di un thriller vero e proprio, The Pale Blue Eye – I delitti di West Point, si presenta come un divertissement quasi letterario, che a tratti funziona e a tratti no. Stupefacente la fotografia, l’interpretazione magistrale degli attori, nonostante questo, il film possiede tutti i difetti di un film fatto per le piattaforme.

Lodevole l’idea di voler omaggiare uno dei più grandi scrittori della storia come Edgar Allan Poe, ma allo stesso tempo bisogna fare i conti con la grandezza dell’omaggiato in questione e non ridurlo all’ennesimo “investigatore del mistero” come ultimamente piace a Netflix.

Gaetano Aspa